古典音乐有欧洲古典音乐、中国古典音乐。在长期演变过程中，音乐家们创造出了许多经典曲目。以下是人美心善的小编帮大家收集整理的13篇古典音乐的相关文章，欢迎参考。
根据西方学者的研究，“新古典主义”（Neoclassicism）具有丰富的历史内涵，它在不同的领域、不同的时期，具有不尽相同的意义。即便是在音乐领域，不同的人在不同的层面、从不同的角度所给出的定义也不一样。为此，一些学者反对无区别的使用“新古典主义”这个术语。①一些和新古典主义相关联的作曲家也提醒我们要小心使用这个术语，因为它在用法上不严格，不能恰当地描述出相应的音乐作品。②应该说，这样的提醒是非常有必要的。因为它要求我们对“新古典主义”的起源及其在音乐领域中的发展和变化进行清晰、明确的梳理，唯有如此才能确保理论上的清晰性和严密性。
一、战前的法国
根据斯科特・梅西的考据，“新古典主义”（Neoclassicism）这个术语大体出现在19世纪末的法国。不过，当时的理论家们并没有明确使用“新古典主义”一词，更多类似的表述是l＇art antiquisante或者la retour à l＇antiquité（返回古代），而不是“新古典主义”。③（p13，下文标注页码之引文均出自该著）不过，在当时这些表述上的差异并不妨碍“新古典主义”一词想要表达的涵义：即对19世纪晚期一些作家的不屑与鄙视，这些作家机械地模仿希腊和罗马的艺术，并且盲目地沉迷于学院派的细枝末节。（p13）
从20世纪开始，伴随着艺术思潮的蔓延，这个词逐渐从文学批评领域渗透到音乐批评领域，并在音乐中的使用频率大大上升，在开始的十年里新古典主义有着明确的定义：它和19世纪一些作曲家有关，这些作曲家忠实于18世纪流行的器乐音乐形式，但是由于卑劣的模仿而丢失了音乐本质中的创造性和思想深度。（p14）很显然这是一个贬义的概念，批判的目标直指19世纪的一些作曲家。
随着民族矛盾的上升，一些作曲家希望复兴法国音乐传统来抵抗德国音乐，尤其是瓦格纳音乐的影响，由此，“新古典主义”的使用有了特殊的语境，它的贬义色彩逐步得到了强化，批判的目标也越发集中，最终被法国的评论界用以描述19世纪的德国作曲家。“德国音乐陷入了一种不幸的痛苦之中，它沉迷于门德尔松及勃拉姆斯的新古典主义的麻醉中喋喋不休，或者被瓦格纳式的浪漫的***所麻痹。”（p13）法国音乐批评家Jean Marnold尖酸刻薄的评论透露出这样一个信息：瓦格纳并不仅仅是唯一需要被法国古典精神所改造的德国作曲家，德国音乐还有另外一支“新古典主义的”队伍需要被改造。
在“新古典主义”指向19世纪德国作曲家的过程中，批判的目标最终聚焦在勃拉姆斯身上，沃尔夫（Hugo Wolf）是第一位将“新古典主义”和勃拉姆斯挂起钩来的作曲家和评论家。他并没有明确使用“新古典主义”一词，但是他对圣・桑和勃拉姆斯音乐的对比评价却表露出他的用意：“圣・桑的古典主义有些类似于勃拉姆斯的，但是圣・桑的古典主义是音乐发展的自然结果，而勃拉姆斯的古典主义仅仅是为他枯竭的创造力提供了一种伪装”。（p14）在这里值得强调的是：第一，沃尔夫区分出了两种古典主义，尽管在他的评论中还没有给这两种类型定出清晰的概念，但是在他的言语中已经明确了二者之间的差异，即具有褒义色彩的圣・桑式的古典主义和具有贬义色彩的勃拉姆斯式的古典主义；第二，沃尔夫并非单纯对勃拉姆斯的所谓“新古典主义”音乐予以否定，而是指出了他的“新古典主义”作品的功用。也就是说，沃尔夫不仅关注“好坏”，即“新古典主义”究竟是成功的模仿“古典”还是卑劣的模仿“古典”；而且重视“用途”，即模仿“古典”有什么功用。和沃尔夫相比，罗曼・罗兰 （Romain Rolland）对勃拉姆斯的“新古典主义”音乐的评论更为人所知，这与他的音乐评论家身份有很大的关系。罗曼・罗兰依然是在贬义的概念上将“新古典主义”与勃拉姆斯联系在一起，但是他对勃拉姆斯“新古典主义”音乐的态度却有一个转变的过程。在最初的音乐会评论中，他称赞勃拉姆斯的《第三交响乐》是一个极好的新古典主义的作品，然而在1908年末，他断定：“勃拉姆斯的‘新古典主义’音乐已经被德国艺术中令人讨厌的迂腐气息所毁坏。”（p14）在这一点上法国作曲家、评论家杜卡斯（Paul Dukas）对勃拉姆斯“新古典主义”音乐的定位与罗曼・罗兰不乏相似之处，也经历了一个先扬后抑的过程。几年以后，丹第（Paul Vincent d＇Indy）分析了圣・桑和勃拉姆斯音乐中的调性后，也得出了同样的结论。
20世纪初，德法两国关系的紧张愈发坚定了法国作曲家的批判立场，批判的矛头对准了，这位德国古典音乐最后一位继承人，在法国评论家的眼中最终成为继勃拉姆斯之后的又一位“新古典主义”代言人：“……这个作品的基本观念是新古典主义的，相当地具有伸缩性和迷惑性……整个作品像是在过分地卖弄和炫耀收集起来的各种昂贵的古董。”（p15）
从以上的梳理中，我们得知：“新古典主义”一词从诞生那天起就带有极强的贬义色彩。在音乐领域中，“新古典主义”和19世纪的德国作曲家有着千丝万缕的联系。随着民族矛盾的激化，这个术语的外延逐渐地缩小，勃拉姆斯和先后被冠以“新古典主义”的称号，成为法国艺术家批判和指责的目标。然而“一战”之后，“新古典主义”的语义发生了变化。这种变化在德国和法国呈现出不尽相同的表现形式。
二、战后的法国
乔治・让・奥伯利（Georges Jean－Aubry）说：“没有任何一个国家像法国的音乐家那样沉迷于法国民族传统中引以为豪”。（p75）同样，法国音乐评论家也毫不吝啬地将一切最美好的赞颂之词赠予了法国音乐：优美、活泼、机智、简洁、清晰、明了、纯洁、清醒、形式优雅、 www.jiaoxuela.com 色彩丰富、逻辑严密……，这些优美的词汇最终以最凝练的表述方式“新的古典主义”（Nnouveau Classicism）表达了法国人民对本民族音乐的热爱。那么什么样的艺术形式能够与“新的古典主义”相匹配呢？德彪西、拉威尔就这样走进了法国人民的期待视野，从此与“新的古典主义”结下了不解之缘。由此我们发现：“新古典主义”（Néoclassicisme）和“新的古典主义”相差甚远。前者用于指责19世纪德国作曲家，尤其是勃拉姆斯和；后者用于赞颂19世纪后期法国作曲家，代表人物德彪西和拉威尔。
然而在1919年这一局面发生了改变，诗人和评论家毛克莱（Camille Mauclair）对德彪西的音乐评论中却出现了“新古典主义的”这个字眼，并且是在褒义的意义上使用的。“……德彪西不顾及自己的声望，仅仅是为了清楚地表明自己的愿望，他渴望成为新古典主义的作曲家，愿意成为18世纪大键琴的弟子，希望成为拉莫（Rameau）的子孙后代。”（p76）显然，在毛克莱手中，“新古典主义”概念的使用已经偏离了原有的轨道。斯科特・梅西说？押“新古典主义在1920年代才获得积极的意义，而在1914年至1920年的6年里，新古典主义依然保持着贬义的色彩。”（p76）梅西的结论表明：“新古典主义”和“新的古典主义”这两个术语间的差异在1920年代左右变得模糊起来。
就在“一战”后法国的评论家依然沉浸在民族主义的情绪中，对德彪西、拉威尔等人的音乐大肆宣扬时，世界的形势已经发生了某种变化，这两个术语的涵义也因此发生了巨大的改变。一些艺术家不愿再追随战前的艺术潮流，主动与其划清界限。在他们眼中，德彪西成为印象主义的代表，拉威尔和浮华的浪漫主义联系在一起，二人不再和“新的古典主义”纠缠在一起。与此同时，1921年意大利未来派艺术家基诺・塞弗里尼（Gino Severini）在其论文中使用了“新的古典主义”一词来描述在视觉领域中出现的一种新倾向，他的“新的古典主义”艺术风格是以几何学的比例原则作为基础；莫里斯（Maurice Brillant）在文章中也使用“新的古典主义”这个概念，并规定了它的内涵：“新的古典主义是一种风格，它重视结构、关注简朴、强调脱离印象主义色彩之后的清醒”。（参阅？眼1?演，p80－81）从以上的评论我们可以看出，在战后的历史语境中，“新的古典主义”依然保持着褒义的色彩，依然有一系列美好的词汇与她相伴，只不过它不再依附于德彪西和拉威尔，而是独立地成为一种新的艺术倾向。
然而“新古典主义”这个术语在音乐评论家的眼中不再像1920年代那么可敬可爱，它的褒义性质再一次发生了改变，并且批判的靶子也不仅仅局限于德国作曲家，而是扩大到法国作曲家。比如利・亨利（Leigh Henry）1921年在“新古典主义”这个术语前加上了一个形容词“苍白的” 来描述拉威尔的音乐，就充分说明了这一点。至此“新古典主义”否定的意义又一次出现，只是外延扩大，这使它的面目变得扑朔迷离起来，1922年后期许多法国作曲家都拒绝和这个词扯上任何关系。
真正将德彪西和拉威尔打入地狱的应该是科克托。据斯科特・梅西考据，在Le coq et l，arlequin一书中，德彪西成为被科克托批判的唯一的一位法国作曲家……1920年拉威尔也没能逃过被攻击的命运。（p77）与此同时埃里克・萨蒂（Erik Satie）的身影频繁地出现在科克托的文章和著作中，一跃成为领导法国音乐潮流的杰出人物。尽管科克托对萨蒂赞扬的话语类似于法国“新的古典主义”的修辞，比如：清晰、简洁、优雅……等等，但在科克托眼中，萨蒂既没有返回18世纪古典的倾向，也与遥远的法国民族传统保持一定的距离，他走了一条与众不同的新的道路，他所做的一切仅仅是为了保持一种简单、清晰、明了。因此当科克托用尽最美好的词汇去推崇萨蒂的音乐时，他既没有使用“新古典主义”这个和18世纪古典音乐有着某种联系的概念，也没有使用“新的古典主义”这个和法国民族传统相生相伴的术语，而是反复地强调“新简约主义”（Nouveau Simplicité）。对于这个新的理论术语，科克托有如下的解释：“埃里克・萨蒂的‘新简约主义’既是‘古典的’，又是‘现代的’；它是不能使人想起任何法国音乐的一种‘法国音乐’。”（p77）从科克托对“新简约主义”的解释和使用中可以看出，萨蒂的音乐总体上是一种新的现代音乐形式，它唯一的目的就是要达到简单明了的效果，但是这种新的音乐并不否认古典艺术的存在价值，并不拒绝用怀旧的方式和手段达到自己的最终目的。
如前所述，“新古典主义”是近现代音乐史上最诡异的词语。同一个词语，在不同的人眼中，会有不同的理解，这一点在1922―1923年的法国表现得最为明显。一些学者认为“新古典主义”是一个贬义的概念，例如意大利超现实主义画家乔治・德・基里科（Giorgio de Chirico）将“新古典主义”看成是没有灵感的、平庸的模仿；然而有些学者却认为“新古典主义”具有褒义的色彩，例如佳吉列夫（Diaghilev）就是这样认为的，他将“复兴”和“发展”看成不同的事情，对他来说前者意味着恢复或模仿，而后者具备了用新的眼光和视野去解释过去的能力”；最令人困惑的就是奥里克和六人团（Les Six），他们极力否认自己和“新古典主义”的关系，但是其他人却将他们与“新古典主义”联系起来。（p82―84） 法国艺术家对“新古典主义”的思考再一次显示出了它的暧昧和含混。
三、战后的德国
和法国相比，“新古典主义”（neoklassizismus）这个术语在德国非常少见，战后在德国音乐领域中更为常见的术语却是由托马斯・曼（Thomas Mann）创造出来的“新的古典主义”（neue klassizit?]t）。和法国一样，德国的“新的古典主义”有着大致相同的文化语境和使用动机：反对瓦格纳的音乐语言和美学观念。不同的是，德国的“新的古典主义”并不是以法国的民族传统为基础来对抗瓦格纳音乐的影响，而是以歌德作为“新的古典主义”的基础和典范。在这方面，托马斯・曼可谓是一个典型的代表。他将瓦格纳的音乐看成19世纪颓废艺术的象征，而将歌德看成是崇高和纯洁的化身。
如果说在托马斯・曼那里，“新的古典主义”仅仅是对抗瓦格纳的有效工具，那么在布索尼那里，“新的古典主义” 还可以为现代音乐的发展指明方向。“瓦格纳的成功已经延续的太久了……现在重要的不是蔑视和贬损，而是建立永恒的价值。我们需要一种新的古典艺术。它具备古典的特征：美丽、伟大、简洁，使人印象深刻，这是一种稳定持久的艺术作品。”（p65―66）布索尼对“新的古典主义”的理解和运用，是在讨论艺术发展演变的历史语境中进行的。他清楚地认识到现代艺术所面临的困境，在寻求现代艺术出路的过程中，布索尼使用这个术语以更好地表达对这种新的艺术潮流的拥护和期待。布索尼进一步用“年轻的古典主义”（junge klassizit?]t）一词替换了“新的古典主义”，并对这两种用法做出了区分： 后者仅仅意指对过去的模仿，而“年轻的古典主义” 意味着音乐的发展和进化体现了一个前进的、青春的、有生命力的过程，这个过程类似于自然界有机的生长过程。（p67）可见布索尼的“年轻的古典主义”概念既是对托马斯・曼的“新的古典主义”观念的继承，又是对他的观念的进一步发展。
布索尼在20世纪初艺术圈中的影响是很大的，这不仅是因为他的多重身份――键盘演奏家、作曲家、美学家，更重要的是他的理论基础来源于歌德。在这点上他与托马斯・曼不乏相似之处，但是和托马斯・曼相比，布索尼借助于歌德的诗歌创作，在音乐的层面上规定了“年轻的古典主义”这个术语的典型特征？熏从而向世人展示出这个概念的丰富内涵，对“新古典主义”术语的进一步发展做出了重要贡献。（p68―70）
（一）“年轻的古典主义”首要的基本特征就是单一性或一致性（Unity or Einheit）的观点。单一性的观点表现在：音乐就是音乐，音乐不能表现道德状况，也不能体现民族品质，音乐不能表现抽象的观念；一致性的观点表现在：所有的音乐都是从单一的来源中发展而来，这也就是说，艺术家不是发明，而是在已有的艺术作品上重新塑造。
（二）音乐作品的产生是音乐要素水平发展的结果，与垂直进行无关。在布索尼眼中音乐旋律的地位至高无上，类似于古老的复调艺术，但并没有复制它，只是遵照了它的原则，通过复调丰富的形式以及和声艺术，音乐旋律从自身产生一种新的形式建构的能量。
（三）“年轻的古典主义”不能使用具有描绘性的音画手法，也不能使用颓废的和声。布索尼认为这些手法在瓦格纳音乐创作中占有显著的地位，他不喜欢那些带有主观的、描绘的、夸张的、形而上学的、感官的、纵向垂直的音乐，他拥护客观的、绝对的、清澈的、纯粹的、横向水平的音乐。
布索尼对“年轻的古典主义”的三个规定，透露出了他的美学倾向和立场：他热衷于已有的18世纪古典音乐的精神，不赞同过分装饰的文学化的形象描绘，拒绝歇斯底里的新表现主义，拥护理性客观的创作而不是各音乐要素杂乱无章的聚积。在这里，布索尼发现了一个可以界定的广泛共享的“年轻的古典主义”观念集合，并以其对这个观念集合的精湛理解，预见了当代“新古典主义”艺术理论并获得了广泛的影响。
总结通过上述的梳理，我们可以发现：1．“一战”后的“新古典主义”并没有在历史、审美、功能和音乐风格等层面上显示出稳定连续的直线进化过程。2．在其使用过程中，一方面“新古典主义”有着众多相关的近义词，人们有时侯用这些术语来替代“新古典主义”，例如“新的古典主义”、“年轻的古典主义”、“新简约主义”等等；另一方面，“新古典主义”在很多时候又缺乏明确的近义词，太多的内涵和意义都被注入到这一个术语之中。3．不同的“新古典主义”内涵使得这个术语具有了不同的功能意义：可以是褒义性的，也可以是贬义性的。总之，此时的“新古典主义”不是人云亦云，而是众说纷纭。这种复杂的状况最终延伸到了斯特拉文斯基身上，从而使他的新古典主义也同样呈现出迷离朦胧的特征。
参考文献
1William John Mahar?熏 Neo－Classicism in the twentieth century?押 a study of the idea and its relationship to selected works of Stravinsky and Picasso． The University of Syracuse?熏 Ph．D?熏1972．
2钟子林《西方现代音乐概述》，北京？押人民音乐出版社1991年版。
①Eric Salzman，Twentieth－Century Music?押 An Introduction?熏4nd ed?熏 Englewood Cliffs?押Prentice－Hall?熏2002．
②David Neumeyer?熏 The Music of Paul Hindemith． New Haven：Yale University Press?熏1986． p1－2
关键词：情境；音乐氛围；音乐美
对于高中音乐教学而言，音乐教学过程就是学生体验音乐、感受音乐，从而享受音乐美的过程。因此，让学生在音乐学习中享受音乐之美，就成为高中音乐教学的一项重要任务。下面，就结合教学实践，谈谈让学生享受音乐美的教学策略。
一、在情境中感受音乐之美
1.创设美的情境
在音乐课堂教学中，学生对音乐美享受的主要渠道是通过学生自己的心灵感悟，这就需要为享受音乐美创设一定的情境。如果离开了相关的音乐情境，就会失去音乐美感体验的氛围，从而影响享受音乐美的效果。所以，教师在创设情境时，要营造生动、时间和空间具体、情感悬念强烈的音乐氛围。
例如，在欣赏《命运交响曲》时，笔者根据乐曲本身的特点和贝多芬本人的生活经历，先着重介绍贝多芬的性格和坎坷的生活经历，让学生在感受乐曲诞生的时代背景之下，体验乐曲的情感，享受音乐之美。
2.体验美的情感
新课程强调学生的自主性，这就要求在音乐教学中充分发挥学生的主体作用，让学生自主体验。在音乐课堂教学中，音乐美是无法通过教师的口头来表述的。用语言形容的那种音乐的美，只能代表教师的自身感受，而感受是不能强加于学生的。所以，教师要留下更多的时间给学生，让他们在自主体验中感受音乐之美。
例如，在音乐欣赏课的教学中，笔者会让学生静下心来闭目欣赏。一般的，在听完第一遍后，学生就会有很多感受，但笔者并不要求他们能够说出内心的体验，因为这时的学生并不会用语言描述自己的感受。
其实，通过语言描绘出来的体验仅是表象上的，更深刻的体验是在学生的心灵深处。在教学实践中，只要学生对音乐有了明显的兴趣，并完全沉浸在音乐之中，就表明学生已经正在体验着美的情感，享受着音乐之美。
二、在欣赏与学习中享受音乐之美
1.欣赏音乐美的辅助――升华和提炼
虽然在高中音乐课堂教学中，学生主要是通过自主体验达到享受音乐美之目的的，但此过程中，教师的升华和提炼也是不可或缺的重要环节，这也符合新课标的“学生主体、教师主导”的理念要求。在课堂上，学生由于知识层次和思想认识等的局限性，难免会出现音乐欣赏的盲目性，这就需要适当加入教师的见解和相关知识介绍。
例如，在学生欣赏欧洲古典音乐时，笔者就用多媒体视频播放欧洲相关的建筑和文化图片，让学生在听音乐的同时，了解欧洲的建筑文化和生活风情，有助于学生理解欧洲音乐的风格。而且这样做，也不需要打断音乐的连续性，不影响学生对音乐的欣赏和体验。这些关于欧洲人文风景的插入，就成了学生享受音乐美的一种辅助手段，完全恰当。
当然，每堂课对音乐技巧和知识的传授，都是循序渐进的，知识目标可以在不知不觉中传授给学生，不能贪多求全。
2.架起音乐美的桥梁――通俗与古典
有些教师对通俗音乐比较排斥，认为通俗音乐难登音乐殿堂，所以在音乐教学中也会忽视通俗音乐。其实，通俗音乐中也有古典音乐所不具备的许多元素，这也正是通俗音乐美的所在。但通俗音乐的各种创作技法又是来自于古典音乐。古典音乐是当代通俗音乐的根源，有着深刻的思想内涵和严密的曲式结构。如果按照传统的教学模式，忽视学生所熟知的通俗音乐，置学生已有的审美经验于不顾，那是违背新课改要求的。
在高中音乐教学中，可以从当下的通俗音乐出发追寻它的源头，让学生透过通俗音乐探寻它的古典之美，从而享受音乐的内涵美。作为高中音乐教师，为了让学生轻松地通往高雅的艺术殿堂，享受音乐美，需要在通俗音乐与古典音乐之间架起一座桥梁。
总之，音乐教学过程就是学生体验音乐、感受音乐，从而享受音乐美的过程，在此过程中，既需要学生的自主体验，又需要教师的引导和教学手段的辅助。如果教师能在教学中善于创设情境，在通俗与古典音乐之间架起一座桥梁，就一定能够使学生把对音乐的感受、理解和想象联系起来，在音乐学习中享受音乐美。
参考文献：
[1]吴斌。音乐课程标准解读[M].北京：人民教育出版社，2005.
【关键词】河北省青少年 西洋古典音乐 教育普及途径
音乐是人类社会精神生活的基本组成部分，西洋古典音乐更是人类文明史中的瑰宝。作为音乐学的研究生，我们希望能够科学有效地利用它对河北省青少年进行音乐教育。
一、学习音乐的目的
目前，我省青少年音乐教育的目的存在着错误的理念：(1)在日益竞争的现代社会，多一门特长多一份竞争力；(2)中考、高考时享受加分的优势；(3)为未来准备一份体面而实惠的“饭碗”。音乐成了主宰未来生存竞争的拼搏手段，忽略了其内部所蕴含的巨大人文精神和力量。
问卷调查的一系列数据反映出，在学习音乐的目的上，孩子与父母有着截然不同想法：51％的孩子学习音乐是为了获得快乐，而考虑到孩子能在音乐中体会快乐感受的家长仅为14％50％的家长让孩子学习音乐、参加考级是为了今后考学时能够“加分”，考虑到这个目的而学习音乐的孩子只有4％；我认为真正的音乐教育不在于使孩子成为音乐家，而是发展儿童的创造性和健全人格；通过音乐的影响力培养他们的纪律性和耐性，获得一颗美好的心灵；培养为他人着想的精神和服务于社会的心态。
二、西洋古典音乐的作用
古今中外的思想家、教育家注意到音乐不仅可以促使孩子感受力、记忆力、表现力、想象力的发展，而且对人的精神面貌、道德风尚和社会教育所产生的影响之大也是无可比拟的。
(一)西洋古典音乐对人智商的提高
81.9％的家长认为西洋古典音乐的胎教对孩子是有积极意义；80.3％-的家长认为孩子在0～3岁期间多欣赏西洋古典音乐，对音乐感的培养是相当重要；78.6％的家长认为0～3岁时所欣赏的西洋古典音乐音乐对孩子以后的音乐学习有重要的基础作用。在161份琴童家长问卷中，人们对音乐开发孩子智商的作用是普遍持肯定态度的。问卷数据显示，家长们最为认可器乐练习对手脑配合灵活性的提高作用，比例高达91.8％；80.3％家长认为通过对乐谱中音高、节奏、力度等方面的记忆训练，孩子的记忆力提高了，反映速度也加快了；80％的家长表示孩子因为有了艺术特长而更受老师、长辈和同学的欢迎，进而自信心也有所增强；65％的家长表示学习音乐后孩子的注意力更加集中了；59％的家长表示自己的孩子在学习音乐后成绩确有提升。
通过对以上数据的分析，我认为，音乐培训对儿童智力提高确有帮助t但不意味着像一些商家所宣称的那样儿童会因此成为天才。音乐教育加强了青少年大脑右半球的功能训练，使整个大脑潜力得到了充分发挥。人的智力和创造力得到了高度的发展。
(二)西洋古典音乐的美育功能
96％的人认为西洋古典音乐最能陶冶人的美好情操。但目前我国的音乐教育，普遍存在着专业化和功利化趋向，把音乐当成唱歌、跳舞和演奏的一门技术。而音乐教育绝不是实用的、功利的而是审美的，使青少年在接触、感受优美乐音时完成娱乐、益智、辅德等功能；使孩子的情感世界受到感染和熏陶，逐步养成健康向上的审美情趣，养成良好的行为习惯和理解、尊重、合作的意识。
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(三)音乐对青少年情绪、情感的积极作用
情绪对人的行为往往有着决定性的影响：当一个人的情绪好的时候，主往会看到事物的积极方面；反之，会偏执于消极方面。音乐通过流动的定律塑造形象，引起人们轻松、欢快的情绪和情感反应。从而达到调节控制情绪情感的作用。
哪种类型的音乐更有利于情绪的健康呢？在家长问卷中，95％的人认为西洋古典音乐能缓解压力；67％的人会以欣赏西洋古典音乐形式放松疲考。古典音乐合理地安排了不同力度音和节奏的比重，对情绪具有最显著内调和、镇定作用。青少年的情绪情感具有明显的两极性，遇事好冲动。音乐教育有助于调节少年儿童大脑皮质细胞的机能和脑神经活动机能，增虽其对情感意志的自我控制，克服遇事容易盲目冲动的缺点；释放他们激烈的情绪、减缓压力、提高情商，增强自我表达能力和沟通人际关系的能力。
三、推广西洋古典音乐的有效途径
在问及“影响人们了解、学习西洋古典音乐的因素”时，位列榜首的是电视节目占64％，其次是西洋古典音乐广播占52％，再而依次是公众喜好西洋古典音乐的程度是47％、精神文明程度23％和公众文化生活取向7％。随着人们精神文明更高层次的需求，艺术教育越来越受到推崇与重既。但西洋古典音乐教育的普及仍需要家庭、社会和政府等各方面的大力支持才能够顺利实现。
(一)家庭音乐教育的加强
“家庭音乐教育”是指父母(长辈)充当教育者在家庭中(生活区)对孩子进行音乐教育性活动的总称。儿童接触音乐的随意性、自觉性，使其感受、理解、表现和创造音乐就像做一件最自然的事。家长应创设良好的音乐环境，让孩子的生活充满音乐。
我省家长普遍认为，孩子学音乐理所当然是在学校或青少年宫由音乐专职老师来承担。而儿童四岁开始就要进行音乐教育，家长要在家庭这个特殊的环境中承担听觉训练、欣赏等音乐教育职能。调查中，50％的青少年会因为家长对古典音乐的喜爱态度或亲戚朋友从事、学习西洋古典音乐而喜欢并选择学习古典音乐；35％的青少年表示，西洋古典音乐的书籍及音像资料会增进他们对西洋古典音乐的了解及学习音乐的积极性。在家庭中的音乐教育中，不一定要求父母要懂音乐，而需要父母有耐心、有兴趣地去参与到音乐活动中，给青少年提供一个能接受艺术熏陶的环境，并在父母的引导下提高他们的艺术感受力和审美能力。通过问卷数据的类比，我发现来自音乐世家和知识分子家庭的小部分孩子，在对古典音乐的了解、喜爱和掌握的程度上远远高于平均值。
(二)学校音乐教育的改进
青少年学习西洋古典音乐的途径：第一为家庭音乐教育58，8％；第二为专业音乐家教52.9％；第三为业余音乐学校47.1％；最后为学校音乐课仅41.2％。当问及学生学习古典音乐的认识时：50％学生强烈要求多了解一些西洋古典音乐知识；53％学生认为业余音乐辅导学校比学校音乐课更能学习到西洋古典音乐知识；42％学生会因为业余音乐学校水平高低影响学习西洋古典音乐的兴趣。以上问卷数据说明，学校音乐教育在讲授西洋古典音乐知识方面存在着很大的不足，有许多需要改进的地方。
1.学校音乐教育的不足
64％的学生很喜欢音乐课本歌曲；57％的学生喜欢古典音乐；71％的学生最喜欢流行音乐，但许多流行音乐的内容并不适合青少年接触。为什么喜欢西洋古典音乐的青少年是最少的呢？首要原因是47％学生认为古典音乐呆板、深奥而无法理解，但事实并非如此！使学生形成这种错误印象的原因是绝大部分中小学音乐教学忽视了音乐欣赏的作用。
50％的学生希望学校开设西洋古典音乐课；64％的学生希望把枯燥铃声改为西洋古典音乐；42.8％的学生会因为音乐教师素质高低影响音乐兴趣，并希望学校多播放一些西洋古典音乐乐曲；28％的学生认为所在学校文艺传统是影响他们对音乐活动兴趣的一个原因，如果学校能多组织文艺活动和比赛他们会更多的关注音乐；50％的学生表示如果学校组织了音乐活动他们会积极的参与。可见。青少年喜欢西洋古典音乐，欢迎各种音乐活动。但由于师资、器材不足，学校对音乐的重视不够，直接影响了学生学习西洋古典音乐的积极性。
2.音乐欣赏应选用的音乐类型
“标题音乐”最大限度地缩小了作者与欣赏者之间的距离。使听众欣赏及理解音乐作品时，有了一定依据。所以，在音乐欣赏中应首选标题音乐。这组数据清楚地表现出青少年喜欢的西洋古典音乐类型：欢乐82％，抒情58％，悲伤5％；大型11％，小型70％；简单58％，复杂29％；熟悉64％，陌生17％。学生对熟悉的乐曲产生积极的反应，更易于感知理解相对句单的旋律性强的音乐。所以，音乐欣赏播放的曲子应是一些优美、高雅的经典性世界名曲，选择那些短小精悍，感情深厚，意境盎然，形象鲜明，易于记忆的音乐，艺术性很高的作品。在一个宽松、自由的环境中，通过聆听古典音乐，使学生在感受西洋古典名曲音乐语言美的同时，从教师剖析中了解音乐作品的结构、题材、风格，从中感受音乐的哲理美。
(三)社会媒体的支持
通过对问卷的分析，我总结了四种青少年了解西洋古典音乐的途径：第一网络64.7％，第二电视47％；第三课外音乐辅导41％；第四音乐课仅有23％。这说明大众传煤对人们的生活及思想观念的冲击是迅速且深远的。
我发现青少年熟悉的音乐家前三甲为：贝多芬、莫扎特和朗朗。朗朗作为中国近年来蜚声国际的青年钢琴演奏家。是中国大地“钢琴热。’浪潮中成长起来的琴童杰出代表。媒体对他的密切关注和大力宣传，是他能在短时间内击败众多知名音乐家成为最为中国孩子了解的演奏家的重要原因。并且随着朗朗、李云迪等一批青年钢琴家蜚声国际，越来越多的青少年开始学习钢琴。
(四)国家政府的支持
关键词：古典音乐；欣赏；鉴赏方法
中图分类号：J605文献标识码：A文章编号：2095-4115（2014）03-154-1一、 西方古典音乐的独特魅力
（一） 营造意境的魅力。当曲子风格不同时它所表现出作者抒发的情感也就不尽相同，不同曲子营造的意境也千差万别。聆听不同曲风的古典音乐总能带给我们不同的情感体验和心灵震撼。以柴可夫斯基的幻想曲《罗密欧与朱丽叶》为例，该曲描写了不能结合的情侣双双身亡的凄惨故事，惆怅而阴郁是它表现的主题，这种哀伤和惆怅立即把我们带进到中世纪那昏暗的氛围当中去。然而，贝多芬的《命运》交响曲所营造的意境与此不同，欣赏者眼前不断浮现出神情坚毅的战士与暴风骤雨作殊死搏斗的场景。
（二） 代代相传的魅力。西方古典音乐经历了数百年的风雨洗礼仍然屹立在人类艺术花园之中毫不动摇，不同肤色、不同民族、不同阶级、不同知识水平的欣赏者都能在聆听西方古典音乐中洗涤自身的心灵，引起心灵的共鸣。是什么让西方古典音乐能够世代相传呢？答案并不复杂， 因为西方古典音乐作为人类艺术的结晶，它优美的旋律与曲子营造的意境都是人类思想感情的尽情抒发，音乐是跨越时空而存在的。
（三） 塑造人生的魅力。西方古典音乐已经走进了青少年的课堂，在教育事业中发挥着不可替代的重要作用，它对促进青少年综合素质的提升具有十分重要的意义。作为一种精神补给，西方古典音乐可以促进学生思想道德素质的提升，另外，听觉是智力中的重要组成部分，因此，西方古典音乐还可以促进青少年智力水平的提高和审美情趣的形成。
二、 “通感”在西方古典音乐欣赏中的作用
（一） “通感”现象的产生。“通感”也被成为“联觉”，它一般被解释为“从一种感觉引起另一种感觉的心理活动”钱钟书认为，在日常生活里里，视觉、听觉、触觉、嗅觉、味觉往往可以彼此打通。通感这一概念在文学创作中是一种重要的修辞手法，最典型的例子当如朱自清的散文《荷塘月色》中所描写，文章将荷花若有若无的香味比作“远处高楼上渺茫的歌声”。音乐本身是一种听觉艺术，它可以通过引起人耳对乐音的感知而进一步引起人在其它感官上的感觉，音乐欣赏过程中的“通感”由此产生。
（二） “通感”现象的作用。音乐作为一种听觉艺术，欣赏者首先感受到的是音高、音强、等“音响”材料，通过“通感”这一过程，欣赏者产生了丰富的心灵感受和情绪体验。音乐欣赏并不是简单的欣赏一首曲子，音乐的复杂性导致了通感的产生也有不同的途径。音乐材料可以直接引发通感的产生，不同的音乐材料和音乐组织手法就使得欣赏者产生了强烈的情绪体验。另外，西方古典音乐作品中的描绘性材料、情节性材料也会导致同感现象的发生，聆听者会在不同形式的刺激下产生美的享受。
三、 西方古典音乐在中国的发展
（一） 西方古典音乐在中国发展的原因。20世纪80年代以来，西方电影在中国的流行、西方演奏家在中国的演出都促进了西方古典音乐在中国普通大众中的广发传播，这种热潮是并非毫无缘由的。近代以来，蔡元培、萧友梅、王光祈等教育家和音乐家促进了西方古典音乐在中国的初步“扎根”。改革开放以来，我国对外交流的开放态度进一步促进了中西方音乐的碰撞，西方古典音乐在中国取得了良好的发展态势。
（二） 西方古典音乐在中国的未来。西方古典音乐毕竟是舶来品，它如何在中国进一步发展是一个复杂而又极具现实意义的课题。音乐作为一种艺术形式，它的生命力取决于受众的审美偏好、价值取向等社会因素。在经济全球化的今天，我国大众的审美倾向受到多方力量的影响，它不稳定的特征也十分明显。然而，人们不必担心作为一种音乐形式、音乐符号的西方古典音乐会在中国绝迹或者挤压中国古典音乐的发展，其实，随着经济全球化趋势的进一步加剧和完善，人类彼此之间的联系比以往更加紧密，不同音乐形式之间的融合也是不可避免的。音乐的发展有着其自身的规律，人们只需要尊重音乐的发展规律，秉持健康的态度对待西方古典音乐和其他音乐形式，音乐就会绽放出炫丽的光芒。
四、 结语
不同民族音乐的交流非常频繁，西方古典音乐在我国取得了良好的发展，它的独特魅力深深的影响着鉴赏者。欣赏音乐的方法与途径众多，“通感”往往是聆听者们进行审美的必由之路。以正确的态度对待西方古典音乐，积极引导其与民族音乐的交流与融合，让西方古典音乐的光芒尽情释放。
参考文献：
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[2]聂亚平，胡媛媛。西方优秀流行音乐之通往欣赏高雅音乐的奠基石[J].音乐时空（理论版），2012，（09）.
[3]谢嘉幸。音乐鉴赏水平的整体训练与评估──音乐欣赏教学专题之三[J].中国音乐教育，1996，（06）.
关键词：《乐之本事》；古典音乐；交响乐
《乐之本事》的作者焦元溥是台湾著名的乐评家，自15岁起开始发表乐评、论述与散文。内容涵盖音乐作品分析、诠释讨论、钢琴演奏技巧解析、音乐家访问、国际钢琴大赛报导与文学创作，发表字数迄今已逾120万字。虽然焦元溥本身所学专业与音乐并无直接关系，但丰富的音乐工作经历让他在音乐这条道路上越走越远，并逐步成为了一名著名的乐评家。
一、《乐之本事》内容概述
《乐之本事》共分八章，在第一章中、作者解释了为什么要听古典音乐。很多人都认为古典音乐很难懂，认为是专业的音乐，听起来艰深困难。也因为多数人畏苦怕难，所以选择逃避。作者认为在音乐中，最重要的并不在音符里，欣赏音乐最重要的是诚意正心。
第二章，作者多角度解释了古典音乐的定义。作者认为一般可以被归为classical music的作品，都要满足以下两个条件。第一、技术性成就。第二旋律性成就。一般中文约定俗成所称的“古典音乐”，意义其实就“经典音乐”，而非“古典主义”或“古典乐派”的音乐。这样通俗的解释足以帮助音乐爱好者理解“古典音乐”的概念。
第三章谈到了现场演出的二三事，解释了现场演出和录音的区别、音乐厅空间上的小秘密、协奏曲歌剧配置的区别等问题。在这一章中，作者一再强调现场观看演出的优势，是录音录像都无法比拟的。欣赏交响乐不能只靠“听”，还应该有“看”，所以在现场才能感受到乐曲“波澜壮阔”的感觉。
第四章讲到音乐会的生存之道，在这一章作者着重强调了观看音乐时的“规则”。如果我们用观看京剧相声的方式来欣赏交响乐，就显得太不合时宜。从音乐会观看座位的选择，再到音乐会的着装，作者都进行了详细的介绍。这为古典音乐“入门级”听众敲开了现场聆听古典音乐的大门。
第五章简述了西方古典音乐式，从文艺复兴到巴洛克，古典主义音乐到浪漫主义音乐等等，作者都做了简单的描述。这些知识对于音乐专业的学生来说都是基本性的常识，但对音乐爱好者来说，这些基础的知识可以帮助帮助他们迅速了解西方音乐大致的发展过程。
第六章写了古典音乐的小知识，分别介绍了独奏、重奏、声乐表演的一些区别。并帮助读者理解管弦乐器的分类和在交响乐中的分组情况。一个乐团的演出质量，乐手的演奏水平是基础，指挥是整个乐团的灵魂人物。好的乐团让我们听到的是“一组”弦乐、木管与铜管，而不是乐手们自行其是。
第七章讲的是诠释的艺术，作者认为作曲家是无法垄断对自己作品解释的，每一部作品不同的演奏家都会演奏出不同的感觉。说到底，音乐家对乐曲的诠释，来自对作品、作曲家与时代风格的理解，也出于自己的经验、体会与想象力。语言有文法，音乐也有规则，了解文法与规则，才能正确判断作品所想表达的意思，诠释也会随着了解而更加的深刻。
最后一章讲到了古典音乐入门之后的进阶之道，听音乐时不要只听选曲。因为选曲所挑的，是作品中“适合”被“单独选出”的部分，并不表示就是最精华甚至最精彩的段落。听选曲不听全曲，知段落却不知其脉络，绝对得不偿失。
二、《乐之本事》的特色
1.通俗易懂
《乐之本事》的定位是古典音乐聆赏入门的书籍，因此书籍特别注重音乐知识的科普，书中涵盖了焦元溥推广古典音乐这些年听到过的各种提问，“不会演奏乐器可以听古典音乐吗？”“不会看谱可以听音乐会吗？”他从回答这些常见问题入手，一点点引出古典乐的历史、古典乐的观乐礼仪，如此种种。是一本资深乐迷和从未接触过古典乐的人都能各有收获的图书。
2.例子详实
不同于专业音乐书籍的各种谱例，《乐之本事》更多的是以各种小故事作为例证，包括与世界众多钢琴大师的交往逸闻、欣赏经典名曲的经验和心得。这样不仅解决了业余听众看不懂五线谱的困扰，也可以让读者快速地了解一个音乐家。
3.经典名曲及详细解说
焦元溥在《乐之本事》中精选23首经典名曲，这些曲目既呈现具体而微的音乐史，也为读者示范如何解析曲式，另附作者精心整理的329位伟大作曲家名单及年代。
4.乐之本事，美之常识
除了古典音乐，本书还涉及电影、文学、摄影等艺术领域，它不仅是一本古典音乐入门书，更是一本关于“美”与“热爱”的入门书。
三、《乐之本事》的感悟
其实不论这本书内容再多，其初衷就是让大家爱上古典音乐，走近音乐会现场。“听无定法”，我们每个人都可以欣赏音乐，不存在所谓的门坎和资格问题。正如马勒曾说：“音乐中最重要的并不在音符里”， 欣赏音乐最重要的是诚意正心。所以，我们大可不必将音乐供于“神坛”之上，也不用去顶礼膜拜，更不必因自己欣赏了古典乐而产生所谓的“优越感”。与其他事物相比，去听自己喜欢的音乐，或是和朋友一起选择听不同类型的音乐是一种最安全的冒险。
虽然一直强调《乐之本事》是一本古典音乐入门书籍，但其中的专业知识也不亚于任何一本音乐专业书籍。这也体现着作者处事的态度，就是无论是否专业，都要诚心正意，这样才可能真正听懂古典音乐。像听流行音乐那样，准备几首古典音乐作品，在看书时、在通勤路上、在散步时……在任何时候慢慢的去感受它，你感受到的就是它传递给你的，听不懂没有关系，只需用心感受就好。
四、结语
关 键 词 ：俄罗斯 古典音乐教育 优秀传统
今年是我国的俄罗斯文化年，许多重要的俄罗斯文化（包括俄罗斯优秀的古典音乐文化）的宣传、介绍和鉴赏活动，正在有条不紊地进行着。中俄关系几个世纪以来在持续发展着，尤其是新世纪以来的发展，开创了两国关系的新纪元。随着我国改革开放的深化和对外交流的进一步扩大，异质文化精华的借鉴吸收，已经成为我们现代化发展的必经环节。正如《望周刊》所说，中国人有着“永远的俄罗斯情结”①，俄罗斯文化年的开展，为我们认识、学习俄罗斯古典音乐文化提供了机会和条件。
俄罗斯作为具有悠久历史和文明传统的大国，在世界文明历史中占有重要的地位。了解外国包括俄罗斯的文化传统，吸收人类优秀文化精华，是我国改革开放的一个直接目标。尤其是深入了解俄罗斯古典音乐文化教育的发展过程，借以进一步与国际接轨，吸取其异国优秀文明传统，为我国音乐文化教育发展服务，对于加强青少年的历史文化熏陶，提升广大青少年的艺术文化素质，都有着极为重要的意义。文章通过介绍俄罗斯古典音乐文化教育的经验和特色，设想通过深入发掘俄罗斯深厚的传统文化底蕴以及蓬勃的现代活力，向公众展示一个全面而又生动的俄罗斯音乐艺术大国形象，给俄罗斯文化年提供一个有益的资料借鉴，也揭示出俄罗斯古典音乐文化教育对于我国现代艺术文化教育的借鉴意义，直接为我们的现代化建设服务。
一、俄罗斯古典音乐文化教育及其特色
作为一个充满音乐气息的国度，俄罗斯已经形成了全民爱好音乐的氛围，这种全民爱好音乐的特点，源于它有着古典音乐文化教育熏陶的优秀传统。而且，21世纪的俄罗斯经过了诸多社会剧变之后，其伟大的古典音乐不但没有消失，反而得到了更大的振兴，此间的原因，如同俄罗斯格涅辛音乐学院硕士生吕冬所说：“对古典音乐的热爱已经深深地嵌在每个俄罗斯人的灵魂里。”②简要概括俄罗斯古典音乐艺术教育的特色，至少有下面几点。
(一)从小培养，音乐艺术教育深入家庭
俄罗斯家庭普遍重视儿童艺术兴趣与爱好的培养，并不失时机地培养儿童的艺术感受力和鉴赏力，让儿童从小就受到艺术的熏陶。俄罗斯人最喜欢去的地方是戏剧院，常常是父母带着孩子，一家人兴致勃勃地到剧院去。观看演出时，每个人都很投入，时常报以热烈的掌声，演出结束时孩子们纷纷向自己喜欢的演员献花。音乐厅和艺术展览馆也是父母经常带孩子光顾的地方。孩子们从小就聆听许多世界著名的交响乐曲，感受到许多艺术作品的魅力。父母对孩子的这种通往艺术殿堂的引导和熏陶潜移默化地提高了孩子们的艺术修养。
游览艺术博物馆，是俄罗斯人的嗜好之一。在博物馆的艺术品前，年轻父母对孩子耐心指点、讲解。在周末和节假日，父母常常带孩子去公园、郊外，感受大自然的美，在大自然中放歌、作画、读书、凝思。这有助于把对周围世界的美的观察和感受，作为理解和体验现实生活的快乐、生活美的主要源泉之一，把大自然的美作为进行情感教育、审美教育的一种手段。正如前苏联教育家苏霍姆林斯基所言：“我们坐在大陵墓上，四周响起各种鸟儿和谐的大合唱，空气中飘荡着青草的芳香。我们沉默不语，不必给孩子们讲很多，也不必用叙述填满他们的脑袋……”“让孩子们从儿童时代起就喜欢听百花怒放的花园里和荞麦花盛开的田野上那悠扬的乐曲，欣赏春暖草地上和秋风细雨里那悦耳的旋律。”③这种从小给后代以艺术熏陶的做法，无疑为音乐国度的文明继承和发展，提供了绵延不断的艺术张力源泉。
(二)开设各级各类音乐学校，大力普及古典音乐艺术
据《国外学校和教育》④介绍，俄罗斯有许许多多的七年制儿童音乐学校，学生一边在普通学校学习，一边在儿童音乐学校学习。优秀的毕业生可以通过入学考试进入音乐学院。另外，还有大约1000所儿童歌咏学校。这些学校招收4至6岁的孩子，学制6至9年。除合唱外，可学习乐理基础知识和演奏乐器。俄罗斯有好几座儿童音乐剧院。俄罗斯的学校基础音乐艺术教育，分为强制性公共音乐教育、补充性公共音乐教育和音乐夜校等。音乐课在普通学校中是必修课，一般每周1课时。这类音乐教育是免费的，而且是必须接受的。传统音乐课的内容以音乐知识，音乐欣赏和合唱为主。教师授课时有较多的示范演奏和演唱。音乐课有统一规定的教学内容，使用我们国内较熟悉的卡巴列夫斯基的教学大纲。补充性公共音乐教育亦即上面所说的专门的儿童歌咏学校，七年制。音乐夜校也是免费的，包括音乐俱乐部、音乐小组等。音乐教育的多种形式，为俄罗斯古典音乐的普及，提供了良好的条件。俄罗斯中小学音乐教育的特点主要是：强制性公共音乐教育时间的延长，为九年。同时允许强制性音乐教育教学大纲的多样化。目前俄罗斯政府指定可供选择的教学大纲已经有5套⑤，每所学校可以从中任选一套。此外，音乐教育的实践活动非常丰富。中小学生经常利用业余时间排练举办音乐会，他们甚至可以演芭蕾舞剧、歌剧、交响乐、大合唱等一些难度较大的艺术节目。许多地方每年为少年儿童举办“音乐之春”“音乐团”等活动，充分调动孩子们的积极性。社会各界也都大力支持学校音乐教育活动。有很多作曲家、出版社还每年为儿童出版多种音乐作品集，介绍音乐知识、传播音乐文化，培养孩子们的音乐欣赏趣味，让他们在美妙的音乐声中快乐而健康地成长。显然，俄罗斯古典音乐之历久不衰，自有所本。大力普及古典音乐艺术的结果，直接提升了俄罗斯民族的音乐文化素质。
(三)政府大力扶持
即使是在经济转型、局势动荡时期，俄罗斯政府对古典音乐艺术教育也没有停止。如1999年7月，俄罗斯普通和职业教育部（2003年俄罗斯政府组织改造后已不存在）就专门颁布了《艺术教育大纲》，鼓励各种形式的音乐教育活动，强调加强全民音乐教育。政府的鼓励、支持和投资，使得音乐艺术教育成为全俄罗斯的小学和初中联邦课程、民族地方课程的重要组成部分。当前，俄罗斯小学和初中的艺术教育包括绘画、音乐、世界艺术和文化。又如俄罗斯政府给出了学校音乐艺术教育的最低限度要求，具体是：学生不仅要掌握音乐、绘画和表演技巧，而且更重要的是还要形成对俄罗斯和整个人类艺术和文化价值的认同以及正确的价值观念。从《大纲》中可以看出，俄罗斯中小学艺术教育注重对学生艺术理论和艺术修养的整体培养。俄罗斯的高等教育，更是重视古典音乐艺术教育，俄罗斯不仅专业艺术院校众多，且有很多综合类大学也设有艺术系。这些院校多年来培养了一批又一批优秀的艺术家。如果说高等学府是俄罗斯音乐教育金字塔的塔尖，那么各地音乐学院、艺术中学、小学就构成了坚固而又庞大的塔身。正所谓“为学要如金字塔，又能博大又能高”。再如，俄罗斯政府放开政策，鼓励支持各种音乐艺术教育活动齐头并进。除了强制性音乐教育之外，还开设有专门音乐学校和音乐夜校，这些都是政府出钱，学生免费接受教育的。正是政府的大力扶持，使得俄罗斯古典音乐文化教育蒸蒸日上，为民族的音乐艺术发展，添加了强大的行政力量。有人统计说，按人口比例来计算，俄罗斯青少年中学习音乐的人数在世界范围内都是名列前茅的⑥。
(四)丰富音乐艺术教育的内容
俄罗斯艺术教育的内容是非常丰富的。不管是家庭教育，抑或是学校教育、社会宣传，都强调教材容量的饱满和古典音乐教育内容的丰富。俄罗斯音乐艺术教育的教材内容突现下述几个特点。
一是大量的古典音乐艺术内容被编进教材。在各级各类学校和艺术学院的教材中，都有着大量的古典音乐、民族音乐、民族舞蹈的丰富内容。例如从格林卡奠定了俄罗斯民族乐派的基础以后⑦的音乐艺术成就，都被编进教材。许多优秀的作家作品都成为音乐艺术教材的首选。如格林卡的《为沙皇献身》⑧《鲁斯兰与柳德来拉》等，达尔戈梅斯基（alexander dargomyzhsky，1813—1869）的《水仙女》和《石客》等，此外还有五人团⑨、柴可夫斯基（pyotr tchaikovsky，1840—1893）、拉赫玛尼诺夫（sergey rakhmaninov，1873—1943）和斯克里亚宾（alexander skryabin，1872—1915）等。教材中，柴可夫斯基承袭的欧陆浪漫乐风，葛令卡作品的俄罗斯的民族性活化，巴拉基列夫、库伊、鲍罗定、穆梭斯基与林姆斯基－高沙可夫等的国民乐派，以及史克里亚宾的不寻常的音色探索，史特拉汶斯基频掀波澜的经典作品，悉数被编进教材。这些丰富的内容，展现了俄罗斯古典音乐的丰富与繁盛，成为俄罗斯青少年艺术追求的典范。
二是教材将世界上古今一切经典性的文化艺术遗产融入课堂教学，使之成为学生成长的文化养分。如世界文化艺术的基本风格和潮流、古俄罗斯音乐艺术、古代和中古文化艺术的特点、文艺复兴时期艺术的人文主义、17至19世纪上半叶欧洲艺术中的古典主义、17至18世纪西欧的启蒙思想及其在艺术中的反映、19世纪文化艺术中的浪漫主义和现实主义、19至20世纪俄罗斯的艺术生活、20世纪文化发展的基本趋势、20世纪末艺术的新形式和新体裁等等，都成为俄罗斯中小学艺术教材和课程的设置内容。
三是教材主要强调古典音乐反映的民族精神和高雅特色，包括民歌、民间舞蹈、民间节奏等，选择表现民族特征，具有浓郁的生活气息和高雅的艺术特色。俄罗斯主要音乐家的作品有的深沉宏伟，有的敏感细腻，无不深刻地反映了作曲家们处在剧烈变革时代热烈而又丰富的心路历程。如柴可夫斯基的芭蕾舞剧《天鹅湖》、第六交响乐《悲怆》，拉赫马尼诺夫的钢琴协奏曲、声乐套曲，普罗科菲耶夫、肖斯塔科维奇的交响乐、弦乐四重奏等，从诞生之日起就受到了俄罗斯乃至全世界听众的广泛欢迎，时至今日依然是各大歌剧院、音乐厅里经久不衰的保留曲目。这些具有代表俄罗斯先进文化的作品，都为俄罗斯音乐艺术教材所极力推崇。
(五)继承传统，致力创新
俄罗斯政府和艺术界人士专注于古典音乐的教育和发展，并致力于不断地创新，使得俄罗斯古典音乐在新的历史条件下，放射出了更加璀璨的光芒。多年来，继承了俄罗斯音乐文化优良传统的古典音乐高雅艺术，伴随着具有音乐天才和前卫思想的新生代的加入，正沿着世界艺术的发展轨道前进。俄罗斯音乐教育创新的成果突出表现在融合与推陈出新上。其直接的成果是出现了许多新的剧团剧院，在莫斯科，由叶夫盖尼·卡拉伯夫主倡的新歌剧院和德米特里·别尔特曼领导的盖利公歌剧院就很有代表性。同时还产生了包括把交响乐、爵士乐、歌剧与音乐剧合为一体的新风格流派。音乐艺术范围逐渐扩大，高雅音乐正在探索一条现代化的道路。比如歌剧中的表演成分越来越多，导演有时会忽略音乐和歌唱的表现之间的差异，力图使演出更具现代感。又如引起观众极大兴趣的国家模范交响乐团与“蝎子组合”的联合演出，也是在寻求传统文化与流行文化的结合点。概括起来，俄罗斯古典音乐教育的继承创新主要体现在：
人文性与经典性的结合。俄罗斯人不是把艺术视为单纯的消遣娱乐或单纯的技艺，而是把它视为人类文化的积淀和人类想象力与创造力的结晶，这样的理念具有极高的人文价值。当前，俄罗斯音乐艺术教育在课程设置上将具有艺术史意义的艺术作品和其他相关的学科知识，作为艺术教育和教学的核心内容。如多少世纪以来俄罗斯各民族的文化遗产、艺术发展的联系和价值、俄罗斯各民族的文化对世界艺术和文化的贡献，等等。我们认为，人文性和经典性的结合，就是一种创新。
强调体验和实践创造。俄罗斯古典音乐艺术课程在大量充满情趣的个人或集体的创作、表演、欣赏、交流、评价等活动中，为学生提供丰富的感性材料和信息，使学生尽情地、自由地参与多种艺术活动，体验艺术学习的快乐和满足，获得身心的和谐发展。通过这些具体的实践活动，鼓励学生的创造，音乐艺术课程涉及的各种创意、设计、制作、表达、交流以及多视角的连接和转换，为学生提供了创造性地解决问题和发挥其艺术潜能的机会，赋予他们表现自我和发挥想象力的空间。例如，每个学期，学校、文化宣传部门都要开办节日演出、周末舞会、专题调演等活动，这些都是学生表现自己发展自己，进行音乐艺术实践的极好机会。正是家庭、学校和社会都在大力强调音乐艺术教育的体验和创造，才使得俄罗斯古典音乐艺术在新的历史条件下，仍然保持着旺盛的生命力。这种艺术张力是永恒的。有人说，在柴可夫斯基、拉赫玛尼诺夫之后，俄罗斯的音乐没有静止，没有凝固，没有被所谓的“现代艺术只能屈从浅薄的市场化”理论所吓倒。“俄罗斯的流行古典音乐让人相信，一个血液里流淌着音符的民族，有的是乐观放达的个性，异彩纷呈的生活。”⑩这除了源于俄罗斯民族对音乐的偏好和根深蒂固的艺术情结之外，俄罗斯古典音乐本身的永恒魅力和俄罗斯音乐艺术教育的执著，应该是首要的原因。
如果说俄罗斯的古典音乐，以其博大精深和丰富繁盛充实着文明世界，在国际上产生重大的影响，那么，俄罗斯悠久的音乐艺术教育传统所熏染的国民音乐文化意识、高雅的艺术追求，成为世界各国有凤来仪的艺术旗帜，那就显得非常自然了。提高文化艺术素质是举世公认的美化心灵的重要手段。作为一种热烈的社会现象，俄罗斯古典音乐的教育普及，给我们以深刻的启示，俄罗斯在这方面的优良传统有很多地方值得借鉴。
二、俄罗斯古典音乐文化教育优秀传统之借鉴意义
随着我国素质教育的不断深入，艺术教育在学校教育中的地位得到显著加强，对艺术教育的价值和功能的认识也日益深化。目前，我国新一轮的基础教育课程改革已经启动，艺术教育是重要的组成部分，俄罗斯全民音乐教育的优良传统及其特色是很有典范意义的，完全可以借鉴到我们的艺术教育中来。
(一)深化改革，加强学校艺术教育
学校要切实加强音乐艺术教育，要通过理念更新和课程设置，把音乐艺术教育摆到突出位置。要去除片面追求升学率的思想，让艺术课程给予每一位学生平等的艺术教育机会，使每个学生都有权利学习和享有人类优秀的文化艺术遗产，使每个学生都具有为生活增添色彩的艺术能力。现在我们的初中高中学校，音乐课比例很少，音乐课歌声很少，有些学校音乐课可有可无，特别是高中阶段，受高考制约，高三学生的音乐活动近乎停止。这是极不应该的。学校应该通过课程标准要求，强化音乐艺术教育。同时，艺术教育要关注每个学生的个性特点、生活背景，充分调动他们的主体意识，为他们创设参与体验、主动探索、积极实践的条件。显然，更新理念，深化改革，加强学校音乐艺术教育，是我们普及全民音乐艺术的关键。
(二)音乐艺术教育要从小抓起
让儿童从小就接受艺术的熏陶，培养他们的艺术感受力和鉴赏力，不断提高他们的审美修养。艺术形象的鲜明多样和直观具体，很容易激发儿童的审美情趣。儿童的审美知觉越深刻，他们思想的飞跃就越有力，他就越渴望通过自己的眼睛去看更多的东西。苏霍姆林斯基曾说：“对所见所闻的观察、倾听和体验，犹如通向美的世界的窗口。所以，我们一项重要的任务，就是教会孩子看到和感受到美，而待他们有了这些能力之后，则要教会他们保持心灵的赞美之情和善良之意。”父母和老师要充分调动大自然、言语、文学、音乐、绘画、造型艺术等一切手段，去发展学生的情感——审美修养。学校和社会应该鼓励学生学习欣赏音乐艺术，鼓励学生投身艺术事业，从事个性化的艺术活动。在中学和高等学校，艺术课程应着力改变艺术学习中的机械模仿与枯燥训练，不以单纯掌握专业知识技能为目标，而是让学生在围绕人文主题的艺术学习中，学习音乐艺术的基本知识和技能，了解艺术的历史和文化内涵，形成艺术体验和艺术能力，获得尊重、关怀、友善、合作、分享等人文素养，促进个性的完善与发展。
(三)政府动员，实现国民音乐人文素养的整体提升
加强国民素质的提升，需要政府的运作。近年来，我国在推行全民体育运动、实现道德纲要目标等方面，都有显著的绩效。我们认为，加强音乐艺术教育、提高国民艺术素养，也需要全民动员。政府可动员有关职能部门和各种媒体，包括宣传、文化、教育、电视、广播、报纸、网络等，加强宣传动员，大张声势，开展富有成效的活动，把音乐艺术意识和理念贯穿到现代化建设工作中去，借以实现民族音乐文化素质的整体提升。近年来，中央电视台每年的春节晚会、《同一首歌》各地巡演活动、湖南卫视的“超女”海选活动等，都产生过万人空巷的艺术效应，值得总结和优化。
总之，俄罗斯古典音乐文化艺术教育的优秀传统，对我国很有借鉴意义。可以预料，经过政府的提倡和推进，发挥学校音乐艺术教育的作用，借助媒体的宣传，加上吸引借鉴俄罗斯古典音乐艺术教育的先进理念和优秀传统，我国的音乐艺术教育一定会开创新的局面。
注释 ：
①中国人永远的俄罗斯情结[j].瞭望东方周刊， 2006.01.11.
②吕冬。俄罗斯古典音乐嵌入灵魂[j].人民日报，2006.06.28.
③李范。苏霍姆林斯基论美育[m].湖南人民出版社，1984.12.
④网络电子读物。/uploadfile/200633175935808.doc
⑤魏兰。俄罗斯传统公共音乐教育体系及近年来的发展[j].http://202.121.7.7/person/art/kcgg/gwjy/200509/302.html
⑥同②
⑦格林卡（mikhail glinka，1804-1857），为国民乐派的奠基者。确立了俄罗斯民族音乐的发展方向，开启了俄罗斯民族音乐的新时代，被尊称为《俄罗斯音乐之父》。
⑧《为沙皇献身》又名《伊万·苏萨宁》描写一位普通老农为国捐躯的故事，音乐采用了民间音乐的素材，曾被讥讽为“马车夫的音乐”，然而最终还是被承认为第一部俄罗斯歌剧。
⑨五人团（又称“强力集团”）是20世纪六七十年代俄罗斯出现的一个作曲家小组，由俄国音乐评论家斯塔索夫在报刊文章中的称谓而得名。详见《西方音乐简史》，/pdf/12/ts012100.pdf
⑩吴昊。俄罗斯音乐交响曲[j].人物，2006．4
同③，第7～8页
参考文献 ：
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关键词：竹笛；新古典主义；斯特拉尔斯基；谭盾
中图分类号：J647.11 文献标志码：A 文章编号：1007-0125（2014）02-0056-02
一、二十世纪西方新古典主义
二十世纪西方音乐发展在经历了几个时期之后，在浪漫主义后期出现了德彪西等一些风格特例的作曲家。他们开始运用不协和音，不完全解决等一些方法演奏出一些新的色彩。勋伯格更是打破传统的调式，建立十二音体系来创作各种各样的作品。在这样一种背景下，斯特拉文斯基和兴德米特提出了“回到巴赫”的口号。他们采用古典主义时期的素材进行新的创造，提倡回归古典主义，例如斯特拉文斯基的作品《春之祭》便是其新古典主义时期的代表作。
斯特拉文斯基和兴德米特的创作可以分三个时期，他们在新古典主义时期的创作还处在探索阶段，虽然采用了古典主义的音乐素材，但他们的音乐作品还是具有明显的当代特征。
萨蒂和六人团是新古典主义的另一组代表人物。萨蒂，法国作曲家，才华横溢可惜晚年才被赏识。萨蒂出生在音乐世家，却不愿接受正规音乐学院的教育，弃学去咖啡馆弹琴。而就在这个时期他的作品便带有浓郁的新古典主义色彩。他提倡回归古典主义的音乐特点，即简单纯朴，反对德彪西等人的理念。同时他在作品中也使用了很有特点的和弦。六人团则是在萨蒂理念的影响下，提出回归新古典主义。但因后期风格不一，六人团的成员慢慢的分开发展了。
两组新古典主义代表人物，斯特拉文斯基只是表面上提倡回归古典主义，而萨蒂相对来说比较深刻的提出回归新古典主义的意义和方法。从现代中国音乐的发展趋势看来，不少音乐家也开始慢慢的有回归中国的古典音乐的想法，开始提倡音乐的美感，并慢慢的体现在创作的作品中。
二、中国音乐的“新古典主义”
中国的“新古典主义”最多提出是在中国文学方面。而新古典主义在音乐上是由田青提出的。他认为中国音乐应该着重保护好中国的传统音乐，保留传统音乐的美感和境界。中国音乐方面的“新古典主义”体现在了好多方面，例如田青在青年歌手大赛上最初提出“原生态”唱法。这一观点的提出是“新古典主义”很有力的一例。田青认为原生态唱法是中国音乐的精华，是应该保留和发扬的民间音乐和中国传统文化。在美声唱法和民族唱法盛行的中国，原生态唱法一枝独秀，它的出现不仅仅是不仅仅丰富了声乐界的演唱形式，更是一种观念和态度的转变。我们近现代的音乐发展既要跟上世界的步伐，吸收世纪音乐得精髓，更要保留和弘扬中国传统音乐和文化的美感。
除了“原生态”唱法的提出之外，其他的音乐家也有各自的想法和观点。比如非常出名的“谭卞之争”，就是两位艺术家对于传统音乐和现代音乐的争论。谭盾受到约翰凯奇等现代派音乐家的影响，写出了《地图》等具有现代意义的作品。他寻找一些新的发音媒介来创造新的音乐，在一些作品中，他运用了很多现实中的物品发出的声音，比如水声，石头摩擦的声音等。然而他新颖的写作手法引起了很多老一辈音乐家的质疑，卞祖善就是一个例子。作为传统音乐的倡导者，他认为谭盾的做法降低了作曲家和演奏家的作用，降低了整个音乐的美感。
除此之外，各个领域的音乐家对新时代的音乐走向表现出了自己的观点。本文具体以竹笛的作品为例，分析了器乐领域的作曲家的“新古典主义”倾向。
三、竹笛作品《金色的山东》
竹笛作品《金色的山东》是一个比较全面的大型民族管弦乐作品。该曲的作者是北方笛派的代表，竹笛演奏家、作曲家、指挥家――曲祥。该曲分为《孔子随想》、《泰山放歌》和《黄河入海》三个乐章。在这三个乐章中，作曲者采用了竹笛上各种演奏技法来演绎这三个主题。
（一）作品分析
第一个主题《孔子随想》，作者描写了山东最有代表性的人物：孔子。这一乐章是采用了单二部曲式，第一段落描绘了在圣人孔子没有出世前，古代大地上的战火纷飞，民不聊生的场景。作者用紧张急促的节奏和连续的连音烘托出了战争时紧张的气氛，并用二胡的无旋律演奏表现出了战争中人们无力的呐喊。但是值得分析的是，该乐章的第二段则是与第一段截然不同的两种音乐。第二段之前的间奏，利用中国传统乐器箜篌，旋律立刻体现出了中国古韵的味道，间奏的旋律也是采用中国最基本的五声调式，简单的旋律庄重而典雅。旋律的主要部分，要求演奏时气息平缓，手指交替时非常讲究，整个画面犹如孔夫子出世，世间被孔夫子的光芒普照，战争和贫苦皆无。这一段的旋律采用中国民族七声调式，色彩古朴典雅，作者要求气息平稳，用慢速气震音的演奏方式使得这一乐段的整个感觉类似于古琴演奏，体现了中国传统音乐的色彩。
（二）乐曲的“新古典主义”特征分析
《孔子随想》这一乐章，首先在选材上就是对中国古典音乐的采用和推广。作者选择孔子这一特殊的历史人物，并且用了古代的乐器箜篌，采用中国传统的民族调式来表现这一历史人物。
同时，这一作品的新古典主义不仅是在作者选用的音乐材料上，更是体现在作者的写作意图上。作者采用中国传统的民族调式，在乐曲的处理上采用近似于古琴的音乐特征，不仅在音乐上韵味十足，旋律深沉典雅，在意境上更是古色古香。在这一方面，这部作品回归了中国古典音乐的根本意义所在。在近些年越来越多的竹笛作品中，不协和音、超吹音的比重越来越大，而注重古典音乐美感的作品越来越少。而曲祥的这一完美体现了中国传统音乐和调式美感的作品在现代亮起了一盏明灯。
四、竹笛作品《龙灯高照》
竹笛曲《龙灯高照》也是曲祥老师的作品之一。这部作品与《金色的山东》于2007年在山东上演引起巨大轰动。与其他21世纪的作品相比，这两部作品体现了与时代不同的色彩。
（一）作品分析
《龙灯高照》是一部以唢呐为主的大型民族管弦乐作品。该乐曲分为四个乐章，分别是《灯月交辉》、《灯海如潮》、《多彩的秧歌》和《燃气的希望》。第一乐章“灯月交辉”是简单的单一部曲式，用激昂的曲调描绘了正月元宵节的热闹场面。正月元宵金龙舞，皓月当空人团圆。元宵之夜，万家灯火与无数彩灯点缀城乡，与银汉明月相辉映，宛若人间仙境。乐曲以古老的编钟玉磐为引奏，祥瑞之声衬出灿灿寒星，皎皎玉轮。乐队以浓郁的民间音乐基调与表演风格，描绘了月圆之夜的美景与温馨：万家灯火醉酒香，一轮明月照亲情。月下都市，繁华似锦，月下社火，人潮欢聚。灯月相映，金银交辉，飞虹落霞，流光溢彩。乐曲在洋溢着喜庆之气的唢呐声中结束，寓意着社会安定祥和、人们安居乐业的欢乐意境。第二乐章《灯海如潮》同样也是单一部的曲式结构，在乐章的开始用一连串快速的、舞蹈性的吐音表现了龙珠翻滚，龙腾狮舞，焰花飞溅，编织出一幅花灯如海、彩光喷泻的璀璨画卷。之后的乐队采用弦乐和弹拨乐追奏的形式，体现了灯会恢弘的气势和热闹的气氛。第三乐章《多彩的秧歌》，就是采用了秧歌的形式和曲调，旋律上富有鲜活风土乡韵，描绘出万民闹春、再盼丰年的狂欢场面。 第四乐章《燃气的希望》，再现了第一乐章的主题，乐队用嗦亮的笙管丝弦与激越的排鼓相结合，表现了新世纪的新希望。
（二）乐曲的“新古典主义”特征分析
与《金色的山东》一样的是，作者在选材和组成整个乐曲的素材上都是选择了中国传统音乐的素材。比如该曲的第三乐章，采用了山东秧歌作为基本的曲调，利用竹笛的滑音、花舌音的技巧表现了主题。
另一个方面，《龙灯高照》整个曲子在作曲的出发点上就是发扬中国的传统文化――元宵节。这些作为我国非物质文化遗产的节日，随着现代化的发展，味道变得越来越淡。在新世纪这一作品的提出，无疑是对中国传统文化的发扬。而它在音乐方面的意义，就是提倡中国的传统音乐，回归传统音乐的美感。
五、总结
新古典主义的影响不仅在音乐方面，在中国文学方面也掀起了一场中国文学新古典主义。新古典主义作为时展的一种趋势，是不可避免的。我们只能站在前人的肩膀上继续前行，为了发展中国传统文化和传统音乐贡献自己的一份力量。
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一、合理运用对比，把握时代风格
湘版教材中的标题很清晰地向学生阐述了西方古典音乐发展的历史脉络，并引导性地将两个时代的不同音乐风格进行比较。如在学习巴洛克音乐与维也纳古典音乐时，让学生从巴赫的《G弦上的咏叹调》和海顿的《时钟交响曲》进行比较，平稳而庄重的宗教色彩和充满生活情趣的艺术格调反映出宗教与世俗的时代背景，细听复调织体与主调音乐的不同音效，不易吟唱与歌唱性的旋律区分，固定规整节拍与灵活变化的节奏律动，通过音乐要素的不同呈现方式，学生在比较中对时代风格有了更深刻地体验和理解。同样是《月光》，贝多芬持续的三连音，微弱的音响勾画出忧郁、哀愁的月夜，在德彪西笔下，明亮的音程散落地跳动，月光时而点滴坠落，时而缓缓流淌，时而流水倾泻，思绪随着音符走走停停，飘渺如梦。贝多芬内心的表达与德彪西月光印象的景致变幻正透过《月光》，向我们诠释着古典的传统和声与印象的朦胧意境。
对比除用在纵向的时代风格比较上，也可用于同一首作品的不同片段上，帮助学生对音色、节奏、和声有更灵敏的感知。如欣赏《G弦上的咏叹调》弦乐重奏与人声合唱版的对比聆听，音色变更带来的不同感受，复调织体在人声的演唱中也更清晰。在《蓝色狂想曲》中主题音乐从乐首法国号与萨克斯稍显慵懒的奏出，到乐中庞大乐队以强有力地节奏雷鸣般奏响，再到乐尾钢琴以渐慢的速度陈述。截取这三个片段对比听赏，提高学生在变化中把握音乐原型的能力，音乐音色、速度、配器的转变带来三种风格各异的音乐形象，使学生进一步感受古典音乐的神奇。对比聆听贝多芬的《命运交响曲》和《致爱丽丝》，气势磅礴的命运抗争与倾诉衷肠的爱意表达，学生便不难理解这位音乐家是连接古典与浪漫的音乐巨匠。
二、以熟知引入经典，由浅入深
总结学生熟悉的古典音乐如《哈利路亚》《命运交响曲》《蓝色多瑙河》等，我们会发现学生所熟知的都是极强旋律性，乐句短小，易记忆，易哼唱的开头片段，由于音乐篇幅过长，即使后面也有动人的音符，也因听觉疲劳失去了兴趣和音乐的记忆而中途放弃。
用熟知的片段作为导入引发学生的共鸣，再延伸至同类题材作品，同一作品的整曲欣赏或不同乐章。在这过程中，教师要将新作品较清晰易哼唱的旋律主题提取出来，片段性地让学生品味，可用钢琴或小提琴等器乐范奏及范唱方式，加入互动讨论、节奏律动等活动让每一次聆听有不一样的体验，在反复中加强音乐的记忆和感受，融入音乐的深层次赏析如动机展开、变化再现等手法，将这些有趣的音乐片段设计成听辨游戏和情境想象。当新作品多个主题旋律已熟悉后，让学生在整曲欣赏中找出新鲜出炉的音乐记忆和感受，学生便不会因陌生、听不懂而无法进行下去。选择多片段聆听，片段与整曲相结合的欣赏方式，将欣赏时长控制在5分钟左右，会收到良好的效果。
三、巧用流行乐和影视片段激发兴趣
充满时代气息、情感直白的流行乐一直是学生们的钟爱。选择运用古典音乐元素创编的歌曲如《不想长大》与莫扎特的《第四十交响曲》，《remember》与柴可夫斯基的《天鹅湖组曲》，五月天的《快乐很伟大》与贝多芬的《欢乐颂》，不同配器处理，加入歌词，增强节奏感和律动感的流行表达方式给古典音乐带来全新的听觉感受。这些曲目通过音乐方式的演变，让学生探求其中不同韵味，究其根源。在流行与古典的对话中，激发学生探求古典音乐的兴趣。
很多古典音乐也被运用到影视作品中，如《不能说的秘密里》，肖邦的《升c小调圆舞曲》，巴赫的《c大调前奏曲》，这些影视片段都能勾起学生对原作的好奇与欲望。同时，纪传影片如《一曲难忘――肖邦传》《贝多芬传》《莫扎特传》，在反映作曲家性格、情感、人生经历的影像中学生走进了作曲家的内心世界，就不难体会肖邦赤忱的爱国之心，贝多芬不屈的抗争，莫扎特超脱困境的乐观和激情。此外，为古典音乐创编的动画片也能帮助学生听赏篇幅较长的音乐，如《猫和老鼠》中的《匈牙利狂想曲》，动画格什温的《蓝色狂想曲》等。
四、关注音乐的形象性与抽象性
【关键词】高校；古典；萨克斯管专业；教学；颤音
颤音的主要作用就是为了整体修饰声音，其主要的表现意义在于展现出更加规律的跳动效果，从根本上提升音乐作品的表现能力，增强声音本身的波动性。假如能够运用系统、有序的音乐技术进行颤音学习，就能够使得学生在实际应用阶段更好地选择颤音的应用技法。在高校的古典萨克斯管专业学学习期间，有效地运用颤音的优势，能够使学生演奏音乐变得更加游刃有余[1]。在20世纪80年代初，相关研究人员就提出，在古典萨克斯管中增加适当的颤音能够更好地提升最终的演奏效果，并且在实际的演奏中增加颤音的技术，能够更好地提高现场的演奏质量[2]。
一、在古典萨克斯管教学中增加颤音的教学价值
颤音本身作为古典萨克斯管演奏中常见的一种表现方式，在萨克斯演奏过程中使用得十分频繁，并且也会常常出现在古典萨克斯管的现场演奏中。在传统的观念中，古典音乐的演奏需要进一步地使用颤音的技术。所以，在当前的高校古典萨克斯管的学习中，教师十分注重对学生颤音的指导，同时音乐专业院校也对该项知识内容有进一步的研究与跟进。在高校的古典萨克斯管日常教学中增加颤音的内容，能够帮助学生更好地通过颤音进行声音的修饰，对于声音修饰来说，它不仅能够利用音符规律性的跳动来提升或者降低整体作品的音高，还能够采用颤音的方法增加或者减少振幅，从而使得音乐发声在整体音色上有一定改变[3]。再加上采用颤音的方法本身只是起到对声音的修饰作用，而并不会对古典萨克斯管的基本节奏以及旋律产生较大的影响，也不会对作品整体的表现力产生不良效果。在实际古典萨克斯管的演奏期间，假如能够科学有效地使用颤音的技术，就能够使演奏在感染力以及表现力上有所增强，进而提升整体效果。当前的音乐社会正处于传统与现实社会相互矛盾的局面，社会的进步能够侧面影响到音乐在各个方面的发展[4]。传统音乐的发展也同样如此。假如传统音乐想要在当前的社会背景下占有不可忽视的位置，就需要更大程度地去适应当前的社会背景，不断进行更新与完善。鉴于此，在高校古典萨克斯管的教学中增加颤音的课程教育内容，是古典萨克斯管演奏今后发展的必然趋势。当前，高校的古典萨克斯管教学也需要顺应时代的发展变化进行教学改革，采用颤音与日常课程练习结合的模式才能够更好地推进高校古典萨克斯管今后的发展，为高校古典萨克斯管今后的教学质量提供保障。颤音的演奏技术本身在高校古典萨克斯管课程结构模式中就属于基础性的内容，教师只有在不断更新颤音教学理念的基础上进行教学，提高学生对于颤音的理解能力，才能够从整体上为提升高校古典萨克斯管的演奏效果打下坚实的基础[5]。
二、高校古典萨克斯管专业教学中颤音的应用
（一）早期古典萨克斯管作品并没有体现出颤音的实际应用。颤音从音乐本质上来讲就是一个音的音高有规律的上下起伏，颤音的基本属性包含两方面的内容——颤音的幅度与频率。一个普通的音高就是固定的，没有相互之间的起伏，而颤音的音高则呈现不固定的、有规律的起伏。古典萨克斯管最早被发明出来的时候，演奏者并不会在演奏期间使用颤音。他们之所以不使用颤音是由于古典萨克斯管的发音原理是借鉴单簧管的发音原理而来的，都是利用单一簧片振动发声的模式将声音发出来的[6]。并且，早期的古典萨克斯管演奏者大部分都是单簧管的演奏人员，其中也包含古典萨克斯管的发明者阿道夫•萨克斯本人，他也是一位出色的单簧管演奏家。鉴于此，古典萨克斯管早期的演奏方法与单簧管演奏模式十分相近，古典萨克斯管在演奏期间也尚未使用颤音的技术。从19世纪中叶到19世纪末期这一阶段，社会以浪漫主义风格的古典萨克斯管独奏、重奏曲目的创作为主，所有的作品都没有涉及颤音的运用，比如，古典萨克斯管早期作品中都运用浪漫主义风格的演奏模式，听众都能够感受出浪漫主义的色彩[7]。但是在当时的作品中，都几乎不使用或者少使用带有颤音的演奏模式，大部分的演奏家也都会参照古典单簧管演奏家在声音方面的处理方式。（二）出现古典萨克斯管颤音的时间以及20世纪上半叶颤音的应用形式。古典萨克斯管颤音最早在爵士乐中有所呈现，当时古典萨克斯管作为一种独奏的乐器被融入爵士乐的演奏中，对于爵士乐的发展起到根本性的推动作用。同时，爵士乐的风格也能够从侧面促进古典萨克斯管演奏技术的发展及演变。产生这一影响最为关键的一个因素就是古典萨克斯管演奏中颤音的产生。当时爵士乐逐渐走入欧洲，古典萨克斯管的演奏人员也逐渐开始吸收爵士乐中的颤音演奏方法，并将其有效地融入古典萨克斯管的现场演奏中。正因如此，在早期的古典萨克斯管现场演奏资料中，能够听到的颤音都会或多或少地带有爵士乐的风格类型[8]。在当时的颤音演奏中，大部分都是在标准音高的模式下进行上下之间的起伏，主要的特征就是幅度大、频率快，并且，幅度与频率基本能够保持稳定不变。比如，在法国演奏家演奏的《克里斯顿》中，听众可以感受到颤音特殊的表现力，当时的颤音表现模式最为明显的缺点就是整体十分的机械，并没有过多的变化内容，在萨克斯的演奏期间，整体声音也不够柔和、优美。再加上本身颤音就是在原本音高的基础上进行提高一下的运动，幅度较大，在演奏阶段常常会因此影响音准的问题而导致整体效果出现误差[9]。（三）20世纪下半叶古典萨克斯管颤音的变化以及实际应用。由于古典萨克斯管的不断发展，在古典萨克斯管颤音逐渐形成的同时，颤音技术的发展也在一直推进。在20世纪80年代之后，颤音的技术出现明显的改进与创新。为了能够解决早期古典萨克斯管颤音演奏中的音准以及音色等细节方面的问题，古典萨克斯管演奏家借鉴并采用了新的模式对颤音内容进行改进，对比长笛与双簧管中颤音的应用方法对古典萨克斯管颤音进行创新，这样的变化模式能够让颤音的音高更加接近于作品的标准音高，在这样的基础上保证音乐的音色得到了延伸与拓展[10]。比如，聆听法国演奏家在不同时期演奏的《克里斯顿》的同一作品的录音时，就能够感受到颤音的演变过程。这样的变化就是由于社会的背景在不断变化，演奏人员在古典萨克斯管演奏期间的演奏技法在不断革新。从那时开始，颤音在实际的应用中，其幅度与频率就会随着音乐的不同状态进行一定的变化，已经不再是固定性的模式。当音乐作品的情绪较为轻柔、舒缓时，则颤音的幅度较小、频率较慢，甚至演奏者会有选择性地使用颤音；反之，当音乐作品本身的情绪较为激烈、紧张时，则颤音的幅度较大，频率也会随之加快。鉴于此，颤音在印象主义色彩变化期间的作用是十分关键的，教师在进行高校古典萨克斯管的教学期间也需要进行历史方面的正面引导，让学生能够在具备文化知识的基础上，再进行古典萨克斯管颤音知识的学习与应用。
三、结语
随着国家对于音乐教育的重视程度不断加深，在高校的古典萨克斯管教育教学中也应该积极进行创新，进一步落实素质教育的教育教学方针，让学生能够在校感受到音乐背景文化知识的魅力，在此基础上再进行萨克斯管演奏技术的学习。在古典萨克斯管的演奏期间，颤音的使用是古典萨克斯管演奏人员必备的基础技能，采用颤音能够让演奏者更加准确地进行音乐作品的表达。在学生了解到各个阶段的颤音概念、特征以及差别之后，在实际的教学阶段教师还需要对作品本身的特点进行反复的分析，并认真斟酌，帮助学生将颤音所具备的优势得以最大程度地展现出来，使得他们对颤音的应用能够更加自如，展现出更加强烈的音乐感染力与表现力，为音乐整体所展现出的风格奠定基础。
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关键词：古典音乐 钢琴 道路 意义
中图分类号：J605 文献标识码：A 文章编号：1003-9082（2015）04-0140-01
将古典音乐融入到当前的钢琴发展当中，实际上对于我国钢琴的发展道路具有不可替代的意义和作用。如何有效的将古典音乐的柔美进行现代化的创作，与钢琴演奏有机的结合起来，就成为当前钢琴发展中的重要关注点。
一、古典音乐的发展和介绍
1.古典音乐简介
所谓的古典音乐钢琴发展，并没有一个具体的年限，大致主要是古希腊古罗马时期的一种古典主义风潮，也主要是因为法国启蒙主义运动的深入，将这一思想带到了钢琴音乐发展当中。古典音乐在钢琴演奏中最富有代表的形式就是奏鸣曲，而古典钢琴的代表也主要是维也纳古典乐派，著名的海顿、莫扎特以及贝多芬都是维也纳古典乐派的成员。这一乐派的音乐创作风格和钢琴演绎风格对于后续的世界钢琴发展史都具有不可替代的意义和作用，同时也为钢琴的发展提供了更多的技巧要求。
二、古典音乐的特征分析
1.奏法要明确
在古典音乐的发展道路中，维也纳古典乐派作出了杰出的贡献，同时他们也为后人进行钢琴演奏提供了更多的典范和要求。首先，古典乐派非常注重的就是奏法技巧，在钢琴的演奏当中有许多的奏法，比如连奏、非连奏、断奏、半跳音等，这些都是钢琴触法的基础。而古典音乐利用钢琴进行演奏的时候，更是需要对于每一种奏法进行明确。
例如连奏的演奏技巧，主要是手指不能轻易的离开键盘，并且在演奏过程当中，尽可能不要将手抬高或者离开，不得不离开的时候再进行手指的抬起或者移动。对于连奏而言，每一个音符都应该饱满且富有情感，注意对于音符时值的保持，使得每一个音符都能够达到应该保持的时间。而相对而言，在钢琴演奏当中，断奏是比较难以把握的一种奏法，对于初学者来说相对较难，断奏也可以称为跳音，所以实际上演奏断奏的时候也应该手指轻触键盘，避免因为过于短促而出现音乐演奏中的停顿，使得演奏整体受到影响。
2.踏板使用存在技巧
钢琴主要有三个踏板，这三个踏板对于演奏古典音乐都有着完全不同的作用。首先应当明确三个踏板分别是延音踏板、柔音踏板和持续音踏板。延音踏板使用相对较多，主要就是保持音与音之间的连贯，在每个音符完成之后才能更换。每一种踏板都有着不同的作用，对于不同曲风的音乐也有着不同的技巧和应用要求。
3.装饰音的应用
装饰音是钢琴演奏过程当中必不可少的一种风格和特点，主要是沿袭了古典音乐钢琴演奏的基本风格，一般常见的装饰音有颤音、波音、回音等，每一种装饰音都有着不同的要求。
例如波音一般来说只允许出现三个音，但是根据主音的长短最多可以增加到五个音，可是对于逆波音来说就只能出现三个音，这是古典音乐钢琴演奏的要求，也是沿袭到后续钢琴发展中的技巧和要求。
4.注意音阶和琶音的演奏
琶音和音阶的练习一直都是钢琴演奏的重点。而古典音乐钢琴练习的琶音和音阶训练主要以车尔尼的作品为主。车尔尼作品中主要就是注重音阶和琶音的基础性作用，对于不同的演奏技巧都有不同的区分和着重训练点。
例如音阶主要在四个八度之内，主要训练手指的耐力和速度等，对于钢琴演奏基础的训练具有重要意义。而琶音与音阶相似，强调的主要是手指之间的间距，体现出手指的独立以及对于键盘的距离感，对于钢琴演奏以及古典音乐技巧的引入都有很大的帮助。
三、古典音乐对钢琴学习的意义
1.加强了钢琴学习的技术性要求
古典音乐对于钢琴学习具有重要的技术性指导意义。在世界钢琴发展中，古典音乐钢琴演奏模式很多时候都深深的造成了对后续钢琴演奏的影响。
例如肖邦的练习曲，基本上每一首曲子都有着不同的技术要求，并且在整首曲子当中，都有着固定不变的注重点和练习点，丰富多样的钢琴技术练习法对于钢琴学习具有指导意义。亦或者肖邦f小调练习曲实际上就被他赋予了无尽的柔美和悠扬，在整首练习曲当中，主要都是三连音演奏和两个声部的贯穿，对于训练手指的灵活和手臂的柔软以及训练演奏者的情感表现力都具有重要的作用。
2.增强了钢琴学习的历史意义
由于古典音乐具有很久的发展历史，所以对于现代钢琴的教学和学习，具有很强的历史意义。在肖邦之前的一些钢琴演奏者或者创作者，都更加注重对于钢琴技术的要求，强调演奏技巧，而肖邦则在其基础上融入了大量的情感色彩，使得钢琴演奏具有更加明显的情感意味。所以古典音乐在钢琴演奏中的发展，不仅仅实现了钢琴演奏技巧的突破，更在肖邦之后实现了钢琴演奏情感和表现力的彰显，成为世界钢琴发展史上又一座里程碑。
3.完善了钢琴教学内涵，实现了“古曲今创”
实际上古典音乐在当今钢琴演奏中的利用，很多时候，也可以体现出“曲今创”特点。任何的演奏技巧以及情感表现力在后续的发展当中都会有所变化，每一个人对于情感的把握和对于钢琴演奏的理解也会有所偏差。所以实际上古典音乐在当今钢琴发展道路上还具有一定的古为今用之感，有机的将古典音乐的特点和柔美与现代钢琴演奏结合起来，体现出一种更为深刻的钢琴演奏之美。
结束语
古典音乐在钢琴发展道路上有着重要的意义和影响，为现代钢琴演奏奠定了重要的演奏技巧基础和演奏情感奠基。所以将古典音乐不断融入和发展到钢琴演奏当中，对于提升钢琴演奏的整体水平，沿袭古典音乐对于钢琴演奏的影响具有重要的意义和作用。
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关键词：勃拉姆斯；19世纪；古典音乐；纯音乐；音乐文化；创作特征
19世纪的德国，政治风云动荡，资产阶级革命的浪潮揭开了德国文学艺术史上一个伟大而辉煌的时代。贝多芬、舒伯特、门德尔松、舒曼等音乐巨匠灿若巨星，照耀着19世纪上半叶的欧洲。而当德国资产阶级由兴盛走向衰落之际，群星璀燎的天空也日渐暗淡、寂事起来。此时在欧洲音乐文化史上曾与古典大师巴赫（J.S.Bach），贝多芬(Beethoven)齐名，被称为“三B”之一的约翰内斯·勃拉姆斯(Ja}am} BraMs)铅着古典巨匠的足迹正缓缓而坚定地走来，他站在古典作曲家行列中，成为德国古典作曲家中的最后一人。
1833年5月7日，约翰内斯·勃拉姆斯诞生在德国汉堡的一间狭小阴暗的房子里。童年的勃拉姆斯，其生活是很困窘的，但同时也受到了父母亲早期的音乐熏陶与教育，这使他从小就与音乐结下了不解之缘。勃拉姆斯七岁时。父亲便送他学习钢琴，到十岁时，又兼学作曲。很快，他就能够开独奏音乐会，演奏巴赫、莫}L、贝多芬以及他自己的作品，并显示出了超群的才华。据说，在门德尔松去世后，勃拉姆斯的老师马克森曾说道：’一代宗师去了。但另有一个大师正在兴起，这就是勃拉姆斯：’
在1848—1860年这十余年中，青年勃拉姆斯创作了一批富于理想色彩、充满青春活力的作品。这些作品明朗乐观，处处流滋出他对祖国的山水风光以及对德国民族和民间艺术的热爱。1862年，勃拉姆斯迁居维也纳。并从此定居下来。在此前后，作曲家的创作已逐渐走向成熟，在闻名遐迩的奥地利音乐名城维也纳。勃拉姆斯迎来了自己一生中音乐创作的最兴盛与辉煌时期。从刃年代至即年代。作曲家重新在他长于表达深刻思想和广阔社会内容的大型音乐体裁领域里驰骋纵横—他写出了自己一生中仅有的四部构思宏大的交响曲、两部管弦乐曲；他写出散发着古典馨香的<海顿主题变奏曲》;他还写出几部堪与古典欲笼作媲美的协奏曲—(大调小提琴协奏曲》、《降B大调第二钢琴协奏曲)和(。小调小提琴与大提琴双协奏曲)。这一时期的作品，就其内容的深刻与广阔，形式的宏伟与严谨，都达到勃拉姆斯本人以及当时众多作曲家创作中的一个高峰，也使勃拉姆斯的盛名与盛沓达到极点，并由此莫定了他在音乐史上的大师地位。1897年4月，一代古典音乐大师勃拉姆斯在维也纳的窝所中辞世。
在19世纪末欧洲音乐文化发展史上、勃拉姆斯是一个特殊而又复杂的人物。他的创作犹如斑驳陆离的多棱镜，曲折地反映出那个时代、那时的社会风貌以及作曲家个人的内心世界。
勃拉抢斯自幼受到德奥古典音乐和浪漫先驱音乐创作的启迪与影响。这些优秀的艺术遗产成为他终生探求的重要领域。19世纪后半叶。不少音乐家脱离古典传统去寻求一种新的表现内容和表现方法，他们或从神话传奇、从其他文艺作品中寻找创作主题：或从个人内心世界去开拓创作天地。这种探求是有意义的，但勃拉姆斯却有意识地在自己的作品中保持古典音乐传统。他的不少作品师承巴赫、莫扎特、贝多芬、舒曼等古典巨匠和浪漫派先驱的神韵。或以雅细工笔，或以奔洒酣墨，曲折地反映了当时德国的社会风貌、市井人情及个人的情感世界：音乐学家曾称他为‘’哈姆雷特‘.，因为贝多芬的影子始终伴随着他。他自己也说过、他不断听到身后”巨人的足音。，(“巨人”指古典音乐大师贝多芬):当时有些人力倡“向前看，忘掉过去‘，!但勃拉姆斯却是怀着深刻的信仰。运用古典艺术形式对过去、对古人进行了有意义的回顾。这反映出他对‘.今天。，现实生活的不满，也反映出他对‘明天，.的期待与憧憬。
如果说，勃拉姆斯的一只手伸向古典传统，他的另一只手则伸向了民间。早在青年时代，他就在家乡收集、整理和改编民歌，井于1858年出版了4本儿童民歌集，1864年出版了他改编的14首德国民歌，1894年他编配了7册《德意志民歌集)。勃拉姆斯对民间音乐的神往，不单出于爱好，而是表现出他的强烈的爱国激情和对本民族文化艺术的深厚感情。同时。他对当时欧洲其他民族的音乐文化也抱有极高的热情。勃拉姆斯的创作，泛运用了德国及其他民族的音乐素材，如他的钢琴作品，就有许多民歌和民间舞曲性质的通俗作品，在他的交响乐、协奏曲以及管弦乐等大型器乐作品中，经常出现德国民谣风主题、维也纳典雅的舞曲节奏、匈牙利和斯拉夫民间音乐的旋律。他还继承舒伯特、舒曼这两位歌曲大师的传统，把民歌运用到自己的歌曲创作中。民族、民间音乐在勃拉姆斯创作中的运用，反映出作曲家与普通民众在精神上、情感上的联系与相通。正如他在致克拉拉·舒曼的信中所说：“民歌—是我们的理想。”
在勃拉姆斯整个创作生涯中，还鲜明地体现出他力求在创作中保持纯音乐的特色。他曾想给自己的一些器乐作品加上标题，但却没有这样做。m年9月，他在致友人信中写道：“我到现在还没有决定这样傲，因为我想让听众自己猜到它。”当然也有例外：在勃拉姆斯的钢琴作品(td小调叙事曲》和《降E大调间奏曲》中，作曲家以苏格兰叙事诗《爱德华)和苏格兰民歌中的词句作为依据；而在《学院节庆序曲)和《悲剧性序曲》中也有文字标题，这就成为他的诸多非标题音乐作品中仅有的几首标题性音乐作品，今天看来，弥足珍贵。但从勃拉姆斯创作的总趋向来看，其绝大多数作品并不借助于文字形象，创作主流仍是无标题音乐。
勃拉姆斯的作品与一些古典大师的作品相比，往往显得厚重、凝滞、晦涩、费解，有的甚至让人。’难以接受”和“‘不能喜爱。”这是勃拉姆斯创作中的一个复杂而又矛盾的现状。
在音乐的发展历程之中，人类将从巴洛克时代一直到20世纪早期的音乐称为古典音乐。而20世纪初到现在，以非传统手法所创作的音乐作品，被称为现代音乐。随着经济的发展，相对古板、严肃的古典音乐渐渐被追求个性的现代人所抛弃，现代音乐则成为主流。而在现代音乐的发展中，古典音乐也是渐渐地被融合进现代音乐之中。所以现阶段，音乐艺术呈现出了一种古典与现代相交织的发展现象。
一、古典音乐与现代音乐的异同
（一）古典音乐与现代音乐的区别
古典音乐严肃、庄重，起源于古代欧洲的皇室音乐，更加注重强调乐曲本身，在创作时任何一个细节都要经过严密的思考甚至是计算，而这也很有可能是现代大多数人听不懂古典音乐的一个重要原因。
与古典音乐相比，现代音乐更注重人声，以演唱者为着重点，相较于严密的古典音乐缺乏旋律的严密和思维的严谨。但也正是因为其通俗、随意，现代音乐在现代更为人们所接受。
古典音乐带给听众的感受是和谐、深刻、优美，让人在欣赏音乐的同时能够很好地感受到作者想要表达的深层的感情。《月光曲》的轻柔、《天鹅湖》的凄婉、《英雄交响曲》的庄严等等，都是古典音乐严密的乐理逻辑和严谨的曲序给我们带来的来自内心深处的感受。不论是哪一个时期的哪一个流派，古典音乐带给我们的都是灵魂的深化，让我们的心情在作者精心营造的音乐环境之中得到沉淀。总之，古典音乐以其或恢宏大气、或轻柔婉约的曲调，给听众不寻常的感受。
与早期为皇室所独享、规格严整的古典音乐相比，20世纪初期开始流行的现代音乐以其不受拘束的旋律和个性洒脱的曲调，被更多的人们所喜爱。现代音乐的类别比古典音乐更为多样，但是无论是狂暴的重金属电子音乐，或者是婉转的蓝调，亦或是令人费解的印象主义音乐，现代音乐给听众带来的，是无与伦比的冲击与震撼。古典音乐因为严密的乐理逻辑，使听众的感觉大同小异，但是现代音乐给听众带来的冲击，却是因人而异的。
从创作的角度进行分析，古典音乐家是将自己的感情糅合进了自己的音乐，而现代音乐的作曲人更加注重的是从自己的生活之中取材，让音乐更加贴近生活，这也是现代音乐给人带来巨大冲击的原因之一。
（二）古典音乐与现代音乐的共同点
无论是古典音乐还是现代音乐，音乐的目的都是宣泄人类内心的情感，所以现代音乐和古典音乐最大的相似之处，就是在于情感的宣泄。古典音乐的创作将自己的感情糅合进乐曲之中，通过不同的乐器与旋律的起伏来渲染感情的表达。而现代音乐则是将现实生活和音乐艺术进行糅合，通过简单易懂的旋律和曲调的风格将现实生活巧妙地展现在了乐曲之中，让乐曲活了起来。而更多的现代乐器在现代音乐之中的应用，也让本就冲击力十足的现代音乐更富冲击力。
古典音乐虽为古典，但是在古典音乐创作的年代，古典音乐也是那个时代的现代音乐。所以浓厚的时代色彩，是古典音乐和现代音乐的另一个相同点。
二、古典音乐与现代音乐的融合
随着现代社会的发展，单一的古典音乐或者现代音乐的渲染力已经不能更好地满足听众对于音乐的需求。而现代音乐的创作者在不断地音乐实践之中，也发现了现代音乐因为太追求个性，而带来的乐理与曲调之上的不足。古典音乐严密的曲调和严谨的乐理逻辑开始渐渐地被现代音乐创作者所接受，很多作者都开始注重将古典音乐加入流行音乐之中，让音乐在给人以冲击的基础上，带来古典音乐厚重的感受。在此基础上，现代音乐也在古典音乐的影响之下开始追求内在的感染力和思想深度，努力营造一种来源于生活而高于生活的音乐环境。
古典音乐因为其浓厚的时代色彩，给现代听众所带来的感情冲击并没有现代音乐那么强烈，甚至很少能够引起听众内心的共鸣，更多的是带给听众一种听觉之上的共鸣。所以现如今的古典音乐演奏，开始向现代音乐学习。在保证古典音乐所特有的内在感染力和思想深度的基础上，从乐器等角度下手，增强古典音乐对现代人的感染力。
关键词：西方古典音乐 音乐老师 和谐
“古典音乐”(classical music)是一种音乐类别的名称，原指古代流传下来堪称经典的音乐作品，后广指―切思想内容与完美的艺术形式相结合的典范音乐作品。音乐欣赏是以具体的音乐作品为对象，通过聆听的方式及其他辅助手段而得到精神愉悦的一种审美活动。音乐欣赏是音乐实践活动不可或缺的环节，只有通过欣赏者的欣赏活动，音乐作品的创作和表演才能够真正实现其存在的价值。经科学研究发现，人们在欣赏音乐过程中所包含的诸多信息(节奏、旋律、和声色彩、音量大小等)有利于加强大脑的疏导功能。此外。音乐还能诱发人们内心潜在的巨大能量，使头脑中许多孤立、分散的信息得到重新组合、集中。更重要的是西方古典音乐本身具有的“和谐”特点，因此，在音乐老师构筑自己内心和谐的同时，也要关注学生内心的和谐，两者结合，从而更好的发挥西方音乐欣赏在教学中的作用，从而推动创造性思维的发展。
■一、引导学生理解西方古典音乐演奏乐器的外在表现力
任何作曲家创作一首音乐作品、创造一种音乐形象都要借助乐器来表达，这是他们独特的表现手段和方法。如果学生不熟悉音乐所借助的媒体，不了解这些乐器的表现手段，那么，即使有很好的音乐作品，也不可能去理解它。西方古典音乐亦是如此，很多作品的传情基本上是借助乐器来完成的，集中在器乐的体裁与形式上。因此，赏析者要对西方古典音乐的乐器十分熟悉，且须有明确的分辨能力。否则，作品演奏时很多乐器交织在一起，听起来就会十分混乱。因此，教师要从西方古典音乐的演奏乐器上引导学生理解其整体结构的外在表现力，为学生的音乐赏析打好基础。
■二、引导学生从西方古典音乐的情感表达出发体味作品的创作意境
意境是我国古典文论的核心概念，涉及到中国诗词创作及戏曲、影视、小说等各种文学样式，反映了中华民族深层审美心理。音乐是以声音来表达内心情感的艺术，人世间的喜怒哀乐都可以找到相应音乐来表达。一切音乐都可以给人听觉官能上的愉悦感。这主要是因为音乐的情感不单是人的本能生理现象，而是一种高级的、社会性的美感。情感体验是感知音乐的基础，音乐是一种善于激发感情的艺术，是人类感情的一种述说方式。可以说音乐赏析的过程就是感情体验的过程，同时也是赏析者自己的感情和音乐表现相互交融、发生共鸣的过程。一部音乐作品，无论是对于普通的音乐听众，还是对于音乐专家来说，感情体验都是在进行这部音乐作品赏析时不可缺少的一种心理要素。如贝多芬的《第二十三钢琴奏鸣曲》(即“热情”)，作品创造的音乐形象与莎士比亚创作中诗意的、悲剧的形象有相同的地方，二者都非常深刻、强烈地表现了一种使人惊叹不已的勇往直前“超人”的力量。
■三、引导学生探寻西方古典音乐创作背景
学生只有对西方古典音乐相关的背景有所了解，才能够真正从音乐中领会作者的创作意图和作者想要表达的情感。 任何音乐都有其特定的创作背景，既包括音乐创作者所处的时代背景，也包括作者的成长背景、思想文化背景等等。尤其是西方古典音乐的创作背境，往往与音乐家自己的成长经历有着很大的联系。还是以贝多芬为例，他属于古典主义音乐的“代言人”，贝多芬的创作风格体现出更加鲜明的阶段性，在意境表达上比较直接和激烈，早期的《月光协鸣曲》和最有名的《命运交响曲》便是典型代表。
■四、引导学生发挥想象力达到对西方古典音乐的个性化解读
音乐本身就是充满想象空间的一门艺术表现形式。不同的听众从不同的认识和情感立足点对同一首音乐会产生差别很大甚至截然相反的感受与体验。比如对于贝多芬的《第五命运交响曲》，有的人从中听出了暗流涌动的时代，是苦难命运的挣扎，是贝多芬对旧恶势力的揭露与控诉；有的人则从中听出了与命运抗争的坚强决心，听出了理想即将实现的喜悦。尤其是对于经典的古典音乐，处于今天这个时代的我们，当重新去回味这些昔日的经典时，或多或少地会带有个人的主观想象。可以说这种想象力的加工恰恰给音乐赏析带来了多样化和活力，体现出艺术表达的丰富寓意。
■结语
西方古典音乐以其独有的魅力，成为西方文化史上一颗璀璨的明星。倘若我们在赏析这些文化瑰宝的时候，能够从上文所述的几个方面深入把握音乐的外在表现美和内在灵魂美，就能够全面、准确地体会到这些经典曲目带给我们的真切体验和来自心底的共鸣。伴随着这种蕴含对历史、对文化和对人生进行哲思意味的深入赏析，音乐老师构筑本身内在和谐以及教学中的作用就会更加突出，我们的生活也必将增添无比的乐趣和美妙的律动。
参考文献：
1.张可：《论18世纪的哲学思想对古典主义时期音乐风格的影响》.《哲学史学研究》。2009(2)．
2.周国平：《尼采―在世纪的转折点上》.上海人民出版杜。1986．